Le fantôme de l'Opéra

La relation la plus intrigante dans Le Fantôme de l’Opéra est celle qui unit une jeune artiste à l’institution dans laquelle elle rêve d’entrer. Le Palais Garnier promet beauté, reconnaissance et sentiment d’appartenance ; derrière cette promesse se cache une culture où l’ambition peut se transformer en une invitation à l’exploitation. C’est là un terrain fertile pour Alexandre Castagnetti, dont l’adaptation contemporaine du roman de Gaston Leroux réunit ballet, romance surnaturelle et rivalités en coulisses sous un même toit somptueux. Pourtant, le film confond trop souvent une accumulation d’attraits avec une richesse dramatique. Il y a un palais, des personnages envoûtants et magnifiques en proie à la détresse émotionnelle. Ce qu’il parvient moins bien à rendre, c’est le lien troublant qui les unit.

Arrivée de Roumanie, Anastasia Marescu, incarnée par Deva Cassel, intègre l’Opéra de Paris alors que commencent les préparatifs d’Orphée, une œuvre prétendument maudite attribuée au Fantôme. Sa rencontre avec le mystérieux pianiste Ernest Dupré, interprété par Julien De Saint Jean, lui offre une échappatoire intime aux pressions des répétitions, de la concurrence et de l’incertitude professionnelle. De son côté, Georgina D’Angelo, incarnée par Laïka Blanc-Francard, occupe cet espace inconfortable entre alliée et rivale. Transposer l’histoire dans le présent et faire de son héroïne une danseuse sont des choix judicieux : le corps devient à la fois son moyen d’expression et l’instrument qu’une institution cherche à discipliner. Le problème réside dans la rapidité avec laquelle le scénario épuise ses possibilités. Une histoire construite autour de l’attrait de l’inconnu ne cesse de donner des repères, laissant trop peu de place à la curiosité pour qu’elle se transforme en malaise. L'Officiel des spectacles

Deva Cassel confère au film un centre visuel captivant, même si le scénario offre peu d’occasions de développer le personnage de l’héroïne au-delà de sa détermination, de sa vulnérabilité et de sa fascination amoureuse. Trop souvent, son parcours émotionnel semble s’articuler autour des apparitions de ce dernier. Julien De Saint Jean apporte la mélancolie qui convient à un personnage pris entre séduction et menace, mais leurs échanges peinent à transformer leur attirance mutuelle en une relation dotée d’une texture qui lui soit propre. La question est de savoir si ces personnages en particulier découvriront l’un chez l’autre quelque chose qui dépasse ce que le scénario a déjà promis. Cette histoire d’amour a besoin de maladresse, de surprise, voire d’humour — une certaine friction qui rende ce désir unique.

Le film prend une tournure plus incisive autour de James Figueras, le chorégraphe incarné par Romain Duris, dont la quête de l’excellence artistique fait passer les limites d’autrui pour négligeables. Son interprétation dégage une ampleur qui peut se révéler divertissante, mais le caractère résolument antipathique du personnage restreint la portée du débat moral. Il y a, au cœur de ce film, un autre film plus troublant, qui traite de la ressemblance entre le fait de se soumettre à un mentor charismatique et celui de se soumettre à un amant possessif. Les uns comme les autres peuvent flatter une jeune artiste en prétendant reconnaître en elle quelque chose d’exceptionnel ; les uns comme les autres peuvent faire passer l’obéissance pour une libération. Ici, les parallèles sont suggérés sans être suffisamment approfondis. Les échos familiers de Black Swan, Whiplash et Twilight contribuent à définir le terrain, mais ils révèlent aussi à quel point la confrontation entre ambition, dépendance et désir aurait pu être rendue plus incisive.

La relation entre la production et son décor offre une anecdote révélatrice. La liberté apparente de ce terrain de jeu cinématographique a été obtenue grâce à un contrôle strict des accès et à une illusion considérable. Cette tension convient bien au sujet : la splendeur repose sur un travail que le public voit rarement. À l’écran, cependant, la beauté architecturale ne se traduit pas toujours par une atmosphère particulière. Les dorures et les couloirs offrent un plaisir visuel abondant, mais un bâtiment hanté a besoin d’une géographie de l’anticipation, de lieux dont le retour nous rend inquiets. Un cadrage agité et des signes surnaturels explicites peuvent nous montrer que quelque chose ne va pas sans pour autant donner l’impression que l’espace lui-même est dangereux. Le palais est impressionnant ; son emprise sur l’imagination est moins solide. allocine.fr

La danse offre une voie plus convaincante pour pénétrer l’univers émotionnel des personnages. Le ballet final, chorégraphié par Marion Motin, permet au mouvement et à la musique d’assumer des responsabilités que les dialogues ont portées avec trop d’insistance. Les corps qui partagent la scène peuvent exprimer simultanément l’attirance, la soumission et la résistance, sans pour autant réduire ces sentiments à une explication bien ordonnée. La musique de Dan Levy contribue à soutenir cette palette émotionnelle plus large. On y trouve une conviction bienvenue, une volonté de laisser la performance occuper le temps plutôt que de servir de simple décor entre les rebondissements de l’intrigue. Cette séquence met également en évidence un déséquilibre dans le reste du film : lorsque la chorégraphie parvient à communiquer autant, les explications verbales répétées ailleurs semblent moins nécessaires. L’espace d’un instant, le spectacle acquiert la dimension émotionnelle qu’il recherchait. allocine.fr

La romance surnaturelle reste plus difficile à concilier avec la mise en garde du film contre l’ambition destructrice. Donner au Fantôme une apparence séduisante est une réinvention légitime, mais cela impose au scénario une plus grande responsabilité pour révéler ce qui le rend inquiétant. La mélancolie ne peut pas tout faire à elle seule. La question la plus intéressante est de savoir si l’attirance de l’héroïne représente une affirmation de liberté ou une autre forme de captivité, et le film gagnerait à s’attarder plus longtemps sur ce sentiment de malaise. Son alternance entre drame des coulisses, romance aux accents pop et suspense gothique est dynamique, mais ces changements relâchent souvent la tension au moment même où elle commence à monter. Avec une durée d’un peu plus de deux heures, le film a la place d’aborder plusieurs registres ; il lui faudrait une progression émotionnelle plus forte pour que ceux-ci semblent mutuellement indispensables.

Il y a suffisamment de savoir-faire et d’ambition dans Le Fantôme de l’Opéra pour que ses défauts soient frustrants plutôt que simplement oubliables. Alexandre Castagnetti comprend l’attrait d’un cinéma qui fait la part belle à la musique, aux émotions exacerbées et à l’excès théâtral, et le ballet donne à cette aspiration une concrétisation tangible. Ce qui reste sous-développé, c’est le drame intime qui devrait donner tout son sens à cette grandeur. Les jeunes amants sont plus saisissants en tant qu’image qu’ils ne sont convaincants en tant que couple, la critique de l’autorité artistique est trop facilement signalée, et l’atmosphère envoûtante devient rarement profondément inquiétante. Il s’agit d’une adaptation inégale, par moments captivante, qui privilégie davantage le caractère solennel de l’événement que la découverte émotionnelle. Ses meilleurs passages laissent entrevoir un film prêt à faire confiance au pouvoir expressif de l’interprétation. Le reste insiste trop souvent sur l’explication du charme tout en essayant de le créer.

Le Fantôme de l'Opéra
Réalisé par Alexandre Castagnetti
Écrit par Alexandre Castagnett et Camille Fontaine
D'après le livre Le Fantôme de l'Opéra de Gaston Leroux
Produit par Thierry Desmichelle, Boris Mendza, Gaël Cabouat, Remi Jimenez et Ségolène Dupont
avec Romain Duris, Deva Cassel, Julien de Saint Jean, Laïka Blanc-Francard, Guillaume Diop, Dorothée Gilbert, Axel Auriant
Direction de la photographie : Nicolas Bolduc
Montage : Thibaut Damade
Musique de Dan Levy
Sociétés de production : Fulldawa Films, SND Films
Distribué par SND Films (France)
Date de sortie : 28 octobre 2026 (France)
Durée : 134 minutes

Vu le 8 novembre 2026 au Gaumont Disney Village, Salle 14 place A19

La presse en ligne a, pour l’essentiel, été soigneusement écartée des projections de presse de ce film. Après l’avoir découvert, on comprend finalement beaucoup mieux la stratégie de communication adoptée : mieux valait manifestement dérouler le tapis rouge à une poignée de pseudo-influenceurs, dont l’enthousiasme semble parfois inversement proportionnel à l’esprit critique, plutôt que de prendre le risque d’inviter de véritables journalistes, attachés à leur indépendance et à leur intégrité professionnelle. À défaut de pouvoir garantir la qualité du film, son agence de communication aura au moins tenté de maîtriser celle des compliments. Une certaine idée de la promotion culturelle, où la complaisance semble désormais plus recherchée que la compétence.