Karma

Le mystère le plus captivant du film Karm est le personnage féminin qui en est le cœur. Avant même que le scénario ne commence à fournir des explications, Marion Cotillard nous offre un personnage dont l’affection, l’épuisement et le caractère évasif résistent à toute interprétation simpliste. Sa tendresse peut être sincère et son comportement troublant au sein d’une même scène ; l’un n’annule pas l’autre. De retour au thriller vingt ans après Ne le dis à personne, Guillaume Canet construit son film autour de cette incertitude dérangeante, puis la remplace progressivement par quelque chose de plus explicite et de plus conventionnel. Il en résulte un drame captivant, parfois frustrant, dont les acteurs conservent une crédibilité émotionnelle que l’intrigue ne parvient pas toujours à égaler. Festival de Cannes

Dans un village du nord de l’Espagne, une Française tente de se construire une vie aux côtés d’un compagnon qui ne sait pratiquement rien de son passé. Son attachement à son filleul de six ans lui offre un refuge apparent, mais l’alcool et son comportement imprévisible compliquent cette relation bien avant que l’enfant ne disparaisse alors qu’il était sous sa garde. Les soupçons se portent sur elle ; elle part pour la France, retournant dans la communauté isolée qu’elle avait autrefois fui, tandis que l’homme qui l’aime tente de la retrouver. Le postulat est efficace, car cette disparition déstabilise bien plus qu'un simple foyer. Soudain, chaque geste intime devient un indice qu'il faut réexaminer. Leonardo Sbaraglia apporte la chaleur nécessaire dans le rôle du compagnon désemparé, faisant de sa loyauté un choix émotionnel plutôt qu'un simple moyen de faire avancer l'enquête. Ventes internationales - Pathé Films

Marion Cotillard est particulièrement convaincante lorsque le rôle exige la coexistence d’impulsions contradictoires. Il y a une différence entre un personnage qui cache des informations au public et une personne qui peine à s’approprier sa propre vie, et son jeu parvient souvent à combler ce fossé. La détresse ne se résume pas à une succession d’expressions angoissées : l’affection peut brièvement l’animer, avant que le repli sur soi ne reprenne le dessus. Dans le dossier de presse fourni, l’actrice explique avoir inventé, dans un carnet, une histoire non écrite pour son personnage, comprenant des expériences d’enfance, des préférences et des peurs. Elle semble porter en elle des expériences qui n’existent pas uniquement pour expliquer la révélation suivante. Le scénario la traite parfois comme une boîte fermée à clé ; l’actrice ne cesse de suggérer qu’il existe une vie au-delà de cette serrure.

L'entrée dans la communauté religieuse modifie l'équilibre dramatique du film. Denis Ménochet incarne une autorité qui rend les échanges ordinaires dangereux, et sa simple présence physique suffit largement avant même qu'une agression manifeste ne devienne nécessaire. Ce qui ressort le plus, c'est que la domination se perpétue à travers la routine : les gens apprennent où se tenir, quand parler et quelles réactions réprimer. Un détail de production révélateur vient étayer cette impression. Selon le dossier de presse, Guillaume Canet a imaginé un arbre généalogique et des histoires individuelles pour les habitants de la communauté, attribuant ainsi aux figurants des relations spécifiques à jouer. Tout aussi révélateur, Marion Cotillard a demandé à rester à distance de Denis Ménochet hors caméra, leurs arrivées séparées contribuant à préserver la tension entre leurs personnages. Ces choix sont importants car les moments les plus troublants reposent sur des relations déjà comprises au sein de la communauté, même lorsque les personnes extérieures ne peuvent pas les déchiffrer.

La construction visuelle du film confère également du poids à cette transition. Benoît Debie fait en sorte que le passage de la chaleur relative de l’Espagne aux intérieurs collectifs plus froids apparaisse comme une restriction des possibilités. L’espace devient un lieu réglementé, et les visages acquièrent une importance qui fait parfois défaut à l’enquête de plus en plus élaborée. Dans le dossier de presse, Guillaume Canet explique que ce mouvement entre lumière chaude et lumière froide a été conçu parallèlement au passage de l’affection à la domination. La bande originale de Maxime Nucci, connu sous le nom de scène Yodelice, renforce l’atmosphère oppressante grâce à des textures d’orgue très présentes. L’effet combiné est convaincant, même si la musique peut annoncer l’angoisse avec tant d’emphase qu’elle laisse peu de place à la scène pour générer son propre malaise. À son meilleur, la mise en scène se contente d’un regard ou d’une porte ; à son pire, tout nous invite à avoir peur d’un seul coup.

La difficulté réside dans ce qui se passe une fois que la nature de la communauté est mise en lumière. Le scénario de Guillaume Canet et Simon Jacquet continue d’accumuler les souffrances et les explications elusives alors que le déséquilibre de pouvoir central a déjà été établi. Trop souvent, une nouvelle humiliation vient confirmer ce que la séquence précédente avait déjà démontré, tandis que l’enquête parallèle peine à donner de l’élan au récit. De même, tous les retards dans l’enquête et les révélations opportunes ne résistent pas à un examen minutieux. Une personne traumatisée n’a pas à se comporter selon les attentes bien ordonnées du spectateur ; c’est précisément pour cela qu’un tel personnage principal peut être captivant. L’objection la plus légitime est que les mécanismes environnants semblent parfois mis en place pour prolonger son calvaire. Les acteurs parviennent à rendre les scènes individuelles convaincantes de manière plus cohérente que le scénario ne parvient à les relier entre elles.

Pour autant, réduire Karma à un simple sensationnalisme reviendrait à négliger la gravité de la préoccupation qui le sous-tend. Son portrait de la maltraitance pose la question suivante : comment un discours de protection peut-il servir à anéantir les liens affectifs mêmes qui pourraient aider quelqu’un à résister ? Le dossier de presse indique que Guillaume Canet et Simon Jacquet ont assisté à un procès au cours de leurs recherches, le réalisateur s’étant déguisé avec une perruque, une casquette et un masque. Cette anecdote insolite témoigne d’une volonté d’observer au-delà des représentations cinématographiques habituelles, même si le film achevé retombe parfois dans les clichés du thriller. Le film est le plus convaincant lorsqu’il s’intéresse à l’imposition quotidienne de l’obéissance ; il se montre moins approfondi lorsque la communauté devient avant tout le théâtre de comportements monstrueux. Une plus grande volonté de laisser les contradictions en suspens aurait peut-être rendu cette indignation plus percutante.

Lorsque le film Karma s’engage dans un suspense plus direct, le soulagement vient en partie du fait de voir son personnage principal se donner les moyens d’agir. Il y a une véritable force dans ce mouvement, et Marion Cotillard veille à ce que les enjeux restent personnels même lorsque les circonstances prennent une tournure mélodramatique. Pourtant, le film ne parvient jamais tout à fait à concilier son étude patiente des blessures avec son appétit pour les révélations et la confrontation. Guillaume Canet a façonné un rôle de poids, réuni une excellente distribution principale et créé une atmosphère dont on a du mal à se défaire. Ce qui freine le film, c’est une réticence apparente à faire confiance à ces qualités sans chercher à les mettre davantage en avant. Inégal mais souvent captivant, Karma mérite d’être découvert grâce aux détails humains que ses interprètes parviennent à préserver au cœur d’un thriller surchargé.

Karma
Réalisé par Guillaume Canet
Écrit par Guillaume Canet et Simon Jacquet
Avec Marion Cotillard, Léonardo Sbaraglia, Denis Ménochet, Luis Zahera
Direction de la photographie : Benoît Debie
Montage : Laure Gardette
Musique de Yodelice
Sociétés de production : Iconoclast, Caneo Films, Pathé, M6 Films
Distribué par Pathé (France)
Dates de sortie : 15 mai 2026 (Cannes), 21 octobre 2026 (France)
Durée : 149 minutes

Vu le 09 novembre 2026 au Gaumont Disney Village, Salle 4 place A19