SDCC 2026 : Zach Cregger, Goldstein et Daley parlent de Resident Evil, Star Trek et de la réalisation cinématographique

Alors que le Hall H est traditionnellement associé aux révélations de superproductions, aux annonces de franchises et aux ovations debout tonitruantes, l’un des événements les plus enrichissants du Comic-Con de San Diego 2026 a prouvé que la réalisation cinématographique en elle-même peut être tout aussi captivante que n’importe quelle bande-annonce exclusive. Le panel annuel Directors on Directing organisé par Collider, animée par Steven Weintraub, a réuni trois des cinéastes contemporains les plus passionnants d’Hollywood, Zach Cregger, Jonathan Goldstein et John Francis Daley, pour une discussion d’une heure consacrée non pas au marketing, mais au processus créatif qui sous-tend le cinéma moderne. Organisée le jeudi 23 juillet dans le légendaire Hall H du San Diego Convention Center, cette session s’est démarquée de nombreuses présentations du salon, souvent axées sur les franchises, en mettant l’accent sur la narration, la collaboration et les choix artistiques qui façonnent les plus grands films d’aujourd’hui. Annoncée plusieurs semaines avant le Comic-Con comme l’un des événements phares de Collider, ce panel promettait des révélations sur les coulisses et au moins une surprise pour les participants, des attentes qui ont finalement été dépassées.

Plutôt que de commencer par des extraits vidéo ou des annonces majeures, Steven Weintraub a immédiatement orienté la conversation vers les parcours créatifs respectifs des réalisateurs. Le modérateur, dont les discussions annuelles sont devenues une tradition du Comic-Con, a encouragé chaque cinéaste à expliquer non seulement ce sur quoi il travaillait actuellement, mais aussi pourquoi il abordait la réalisation de cette manière. Ce ton a transformé ce qui aurait pu être un événement promotionnel en une véritable masterclass sur la réalisation. Le public a réagi avec enthousiasme, applaudissant les discussions sur l’élaboration des scénarios, les défis de production et la collaboration tout autant que les extraits exclusifs présentés par la suite. Cela nous a rappelé que derrière chaque blockbuster à succès se cachent des années d’expérimentation créative, de décisions difficiles et un engagement sans faille envers la narration.

Zach Cregger parle de Resident Evil et des armes

Les projecteurs se sont naturellement tournés en premier vers Zach Cregger, dont l’évolution remarquable ces dernières années a fait de lui l’un des cinéastes les plus suivis d’Hollywood. Après s’être d’abord fait connaître au sein de la troupe comique The Whitest Kids U’ Know, Cregger a surpris le public du monde entier en se réinventant comme l’une des voix les plus originales de l’horreur moderne avec Barbarian. Ce succès critique et commercial inattendu a radicalement changé le cours de sa carrière, lui permettant de se lancer dans des projets de plus en plus ambitieux. Au cours de la discussion, il a expliqué que chaque nouvelle production représentait pour lui l’occasion de se lancer un défi plutôt que de reproduire des formules éculées. Plutôt que de courir après des effets spectaculaires simplement parce que les studios lui confient désormais des budgets plus importants, il a souligné que l’engagement émotionnel restait le fondement d’un film d’horreur efficace. Selon lui, le public ne peut véritablement ressentir la peur que s’il a d’abord développé de l’empathie pour les personnages mis en danger. Cette philosophie est devenue l’une des caractéristiques déterminantes de sa cinéma et continue de distinguer son œuvre de nombreuses productions contemporaines du genre.

Cette philosophie créative a naturellement orienté la discussion vers Weapons, que Cregger a décrit comme le projet le plus ambitieux de sa carrière à ce jour. Plutôt que de présenter le film comme une simple suite à plus grande échelle de Barbarian, il a expliqué que cette production lui avait permis de repousser les limites de chaque aspect de sa réalisation, de la complexité émotionnelle des personnages à l’exécution technique des séquences de suspense. Tout au long de la conversation, il a souligné à plusieurs reprises que l’horreur ne devait jamais exister uniquement dans le but de choquer le public. Au contraire, la tension doit émerger naturellement de situations crédibles, d’un rythme soigneusement maîtrisé et de personnages dont le parcours émotionnel importe tout autant que les frayeurs qui les entourent. Cette priorité donnée à l’atmosphère plutôt qu’au spectacle est devenue l’un des thèmes récurrents de ce panel et a trouvé un écho particulier auprès d’un public avide d’entendre des cinéastes discuter de leur art plutôt que de stratégies marketing.

Un aspect particulièrement fascinant de la discussion a porté sur les techniques pratiques de réalisation. Cregger s’est penché sur l’équilibre entre les effets pratiques et la technologie numérique, expliquant que les effets physiques permettent souvent d’obtenir des performances plus convaincantes, car les acteurs peuvent réagir à des éléments tangibles plutôt qu’à des éléments imaginaires. Si les effets visuels modernes restent des outils inestimables, il estime qu’ils doivent venir en soutien à la narration plutôt que de la dominer. Cette philosophie s’étend au-delà du genre de l’horreur, touchant au montage, à la cinématographie et à la conception sonore, qu’il a tous décrits comme tout aussi essentiels pour créer du suspense. Selon Cregger, le montage devient souvent la dernière étape de l’écriture d’un film, où le rythme et l’accent émotionnel peuvent complètement remodeler une scène une fois le tournage principal terminé. Ce fut l’une des nombreuses observations qui ont fait de ce panel une expérience enrichissante pour les cinéastes en herbe présents dans le public.

Bien qu’une grande partie de la discussion ait porté sur la méthodologie créative, le public était naturellement impatient d’en savoir plus sur Resident Evil, l’une des adaptations d’horreur les plus attendues du secteur. Sans révéler de détails sur l’intrigue, Cregger a réaffirmé son engagement à respecter l’atmosphère qui a fait le succès de la légendaire franchise de jeux vidéo de Capcom. Plutôt que de tenter de transformer cette franchise en un énième spectacle d’action à grande échelle, il a expliqué que son objectif était de recréer la tension constante, la vulnérabilité et l’expérience d’horreur de survie qui caractérisaient les premiers jeux. Le cinéaste a délibérément évité d’aborder les détails de l’intrigue, mais ses commentaires ont renforcé ses déclarations précédentes selon lesquelles son adaptation privilégierait la terreur et l’atmosphère plutôt que l’action explosive. Ces remarques ont suscité l’une des réactions les plus vives du public de l’après-midi, démontrant à quel point les attentes sont désormais élevées pour ce projet.

Jonathan Goldstein et John Francis Daley parlent de Star Trek

La conversation s’est ensuite orientée vers un autre sujet très attendu du panel : le partenariat créatif de longue date entre Jonathan Goldstein et John Francis Daley. Peu de duos de scénaristes et de réalisateurs à Hollywood ont fait preuve d’une telle polyvalence au cours de la dernière décennie, passant avec brio de la comédie grand public aux superproductions de super-héros, en passant par les aventures fantastiques et les films d’action au concept ambitieux, sans jamais perdre leur touche distinctive. De Vacation et Game Night à Spider-Man : Homecoming et Donjons et Dragons : L’Honneur parmi les voleurs, le duo a constamment démontré sa capacité à mêler un humour incisif à une véritable implication émotionnelle. Au cours de la discussion dans le Hall H, ils ont expliqué que cette flexibilité n’avait jamais été le fruit d’une planification stratégique de leur carrière. Au contraire, chaque projet commence par une question simple : apprécieraient-ils sincèrement de regarder ce film eux-mêmes ? Cette philosophie leur a permis de passer aisément d’un genre à l’autre tout en conservant une approche cohérente, centrée sur une narration axée sur les personnages.

L’un des moments les plus révélateurs est survenu lorsque Jonathan Goldstein a décrit comment leur collaboration a évolué au fil des années. Écrivant ensemble depuis des décennies, le duo a atteint un stade où les désaccords ne constituent plus des obstacles, mais font partie intégrante de leur processus créatif. Chaque idée est remise en question, chaque séquence examinée et chaque blague testée avant qu’un scénario n’entre en production. Plutôt que d’éviter les conflits, ils les encouragent activement, convaincus que les concepts les plus solides survivent inévitablement à un débat rigoureux. John Francis Daley a ajouté que travailler avec quelqu’un prêt à critiquer chaque décision créative permettait en fin de compte de produire des films plus solides que de s’entourer de collaborateurs qui se contentent d’approuver. Le public a réservé un accueil chaleureux à cette description honnête des réalités qui se cachent derrière les partenariats créatifs fructueux, un contraste rafraîchissant avec l’image souvent idéalisée de la production cinématographique hollywoodienne.

Cette philosophie s’étend bien au-delà de l’écriture. Les deux cinéastes ont expliqué que la réalisation est un processus continu d’adaptation plutôt qu’une adhésion stricte à un scénario. Une préparation approfondie reste essentielle, mais ils laissent délibérément de la marge aux acteurs pour qu’ils découvrent, pendant le tournage, des moments émotionnels inattendus ou des échanges humoristiques. L’improvisation n’est toutefois jamais encouragée simplement pour le plaisir de la spontanéité. Au contraire, elle doit toujours servir l’histoire et rester fidèle aux personnages tels qu’ils sont définis sur le papier. Cet équilibre entre préparation et souplesse est devenu l’une des caractéristiques distinctives de leur travail, en particulier dans des films comme Game Night, où une comédie au rythme effréné côtoie un véritable suspense et des enjeux émotionnels.

La discussion s’est naturellement orientée vers le cinéma de genre, un domaine dans lequel Goldstein et Daley ont maintes fois excellé. En revenant sur des projets tels que Game Night et Donjons et Dragons : L’honneur parmi les voleurs, ils ont expliqué que l’humour fonctionne le mieux lorsque les personnages eux-mêmes ne se rendent jamais compte à quel point leurs situations peuvent paraître absurdes. Au lieu de traiter les moments comiques comme des punchlines, les réalisateurs encouragent les acteurs à réagir sincèrement face à des circonstances extraordinaires. Cet attachement à l’authenticité émotionnelle permet à la comédie de naître naturellement, rendant ainsi les blagues et les moments dramatiques nettement plus efficaces. C’est une approche qui a contribué à distinguer leurs films de nombreuses productions contemporaines des grands studios, qui s’appuient largement sur des dialogues auto-référentiels et des références constantes à la culture populaire.

Au-delà d’une discussion sur leurs succès passés, le duo a également livré des informations très attendues sur l’un des projets de franchise les plus suivis d’Hollywood : le prochain long métrage Star Trek. Tout en prenant soin de ne pas révéler de détails spécifiques sur l’intrigue, ils ont confirmé que le travail sur le scénario battait son plein. Plus important encore, ils ont expliqué que le projet était conçu pour présenter une toute nouvelle génération de personnages plutôt que de s’appuyer sur des figures emblématiques déjà connues. En situant l’histoire plus loin dans le futur que les volets précédents, les cinéastes espèrent offrir au public un nouveau point de départ tout en restant fidèles à l’esprit optimiste qui caractérise la franchise depuis des décennies. Cette annonce a été accueillie par des applaudissements enthousiastes dans le Hall H et est immédiatement devenue l’une des révélations les plus commentées du salon. Les articles parus à la suite de ce panel ont confirmé que ce nouveau film se veut un renouveau créatif majeur pour cet univers de science-fiction de longue date. (Collider)

Les réalisateurs ont également brièvement évoqué Mayday, leur prochain film d’action et d’aventure produit par Apple Original Films, mettant en vedette Ryan Reynolds et Kenneth Branagh. Bien qu’ils aient délibérément évité de révéler des détails de l’intrigue ou de montrer des images exclusives, les deux cinéastes ont décrit cette production comme une nouvelle occasion d’allier un spectacle à grande échelle à une narration centrée sur les personnages. Ils ont expliqué que, quels que soient le budget ou le genre, ils abordent chaque projet avec le même objectif fondamental : s’assurer que le public reste émotionnellement attaché aux personnages avant d’être impressionné par le spectacle visuel. Cette insistance récurrente sur la narration plutôt que sur l’ampleur faisait écho aux commentaires formulés plus tôt par Zach Cregger, renforçant ainsi l’un des thèmes centraux qui reliait les trois cinéastes malgré leurs parcours cinématographiques très différents.

Panel Directors on Directing SDCC 2026

Au fil de la discussion, Steven Weintraub a encouragé les intervenants à comparer leurs méthodes créatives respectives. Si chaque réalisateur a reconnu avoir développé des habitudes personnelles distinctes, des similitudes surprenantes sont rapidement apparues. Tous trois ont souligné l’importance de peaufiner les scénarios de manière approfondie avant le début du tournage, convaincus qu’une préparation rigoureuse offre la flexibilité nécessaire lorsque la production présente inévitablement des défis inattendus. Le montage a été décrit à plusieurs reprises comme l’une des étapes les plus cruciales de la réalisation d’un film, tous les participants s’accordant à dire que le rythme final d’un film ne se révèle souvent qu’une fois dans la salle de montage. De même, chaque cinéaste a souligné que l’instinct s’avère souvent plus précieux que la tentative de prédire les attentes du public, arguant que les décisions créatives authentiques trouvent un écho plus fort que les choix conçus uniquement pour satisfaire les tendances du marché.

La séance de questions-réponses avec le public a encore renforcé le caractère pédagogique de ce panel. Les participants ont interrogé les réalisateurs sur les cinéastes qui avaient le plus influencé leur style de réalisation, sur la manière dont ils concilient les attentes des studios tout en préservant leur vision créative, et ont demandé si Zach Cregger, Jonathan Goldstein et John Francis Daley pourraient un jour collaborer sur un même long métrage. Les réalisateurs ont répondu avec leur humour caractéristique, plaisantant sur le fait qu’un tel projet deviendrait probablement un mélange imprévisible d’horreur, d’action et de comédie. Bien qu’aucun projet concret n’ait été annoncé, cet échange a mis en lumière le respect mutuel qui lie les cinéastes et est devenu l’un des moments les plus divertissants de l’après-midi, provoquant des éclats de rire soutenus dans tout le Hall H.

Bien que ce panel ait principalement porté sur l’art de la réalisation cinématographique, le Hall H a tout de même offert le genre de moment inoubliable du Comic-Con que les participants espéraient. Vers la fin de la discussion, le public a eu droit à une surprise inattendue lorsque Johnny Depp a fait une apparition surprise, entièrement dans la peau d’Ebenezer Scrooge. Restant totalement dans la peau de son personnage, l’acteur a présenté la toute première bande-annonce d’Ebenezer, son prochain long-métrage sur le thème des fêtes de fin d’année. Cette apparition surprise a instantanément transformé l’ambiance au sein du Hall H, suscitant l’une des ovations les plus bruyantes de l’après-midi et déclenchant une vague immédiate de réactions sur les réseaux sociaux. Bien qu’elle n’ait aucun rapport avec la discussion en cours entre les cinéastes, cette apparition illustrait parfaitement la capacité unique du Comic-Con à allier des échanges professionnels approfondis à des surprises spectaculaires en direct. Loin d’éclipser le panel lui-même, ce moment a constitué une conclusion divertissante à un événement déjà riche en réflexions créatives. Les retombées médiatiques qui ont suivi la présentation ont confirmé que l’apparition de Johnny Depp avait été délibérément gardée secrète jusqu’au tout dernier moment, ce qui en a fait l’une des surprises les plus commentées du salon. (TheWrap)

Avant de clore la discussion, Zach Cregger a offert aux participants un dernier aperçu exclusif de son très attendu reboot de Resident Evil. Plutôt que de dévoiler un montage bourré d’effets spéciaux destiné uniquement à impressionner le public, ces images mettaient en avant le ton que le réalisateur a promis à maintes reprises tout au long de la production. La séquence montrait Austin Abrams fuyant à travers un paysage enneigé tout en tentant désespérément de survivre à une rencontre avec l’une des créatures infectées de la franchise. L’extrait alliait une terreur brute à des moments d’humour noir, reflétant ce mélange de tons devenu l’une des marques de fabrique de Cregger depuis Barbarian. Au cours de la discussion, le cinéaste a également partagé une anecdote mémorable sur les coulisses de la réalisation de cette séquence, racontant comment d’énormes mannequins de cascade remplis de sang, pesant environ 150 livres, avaient été lâchés à plusieurs reprises à quelques pouces seulement d’Abrams pendant le tournage. Avec l’humour qui le caractérise, Cregger a plaisanté en disant que si l’acteur s’était tenu un peu plus près, la scène aurait pu se terminer très différemment. Cette anecdote a fait rire le public tout en illustrant les défis physiques liés à la réalisation d’effets d’horreur pratiques convaincants. (GamesRadar+)

Ces images exclusives ont renforcé ce qui était devenu l’un des messages centraux de l’après-midi. Plutôt que de rechercher des séquences d’action toujours plus explosives, Zach Cregger est déterminé à ramener Resident Evil à ses racines de survival-horror. Tout au long de la discussion, il a insisté à plusieurs reprises sur l’atmosphère, la vulnérabilité et l’implication émotionnelle plutôt que sur le spectacle, faisant écho à la philosophie de conception qui a fait le succès mondial des jeux originaux de Capcom. Pour les fans de longue date de la franchise, cet engagement représentait peut-être la nouvelle la plus rassurante à ce jour concernant l’orientation créative du projet. Au lieu de tenter de reproduire les précédentes adaptations cinématographiques, Cregger semble s’attacher à capturer la tension constante, l’incertitude et l’angoisse psychologique qui caractérisaient les tout premiers opus de la légendaire série de jeux vidéo.

Alors que la session touchait à sa fin, le modérateur Steven Weintraub a invité chaque cinéaste à réfléchir à ce qui continue de les motiver après des années passées à travailler dans une industrie de plus en plus dominée par les propriétés intellectuelles établies et la production de franchises. Bien que leurs carrières aient suivi des parcours remarquablement différents, leurs réponses reflétaient une philosophie étonnamment similaire. Jonathan Goldstein, John Francis Daley et Zach Cregger ont tous souligné que des personnages captivants restent le fondement d’un cinéma mémorable, quels que soient le budget, le genre ou l’ampleur visuelle. La technologie continue d’évoluer, les attentes du public changent constamment et les méthodes de production deviennent de plus en plus sophistiquées, mais le lien émotionnel entre les spectateurs et les personnages reste l’ingrédient essentiel qui détermine en fin de compte le succès d’un film.

Cette philosophie commune a, en fin de compte, défini l’ensemble de ce panel Directors on Directing . Contrairement aux présentations du Hall H, principalement axées sur des extraits exclusifs, des apparitions de célébrités ou des annonces concernant de grandes franchises, la discussion annuelle organisée par Collider a une nouvelle fois mis à l’honneur les personnes chargées de la création des films eux-mêmes. Plutôt que de se concentrer exclusivement sur la promotion des prochaines sorties, la discussion a abordé l’écriture de scénario, la réalisation, la collaboration, le montage, les aspects pratiques de la réalisation cinématographique et les décisions créatives difficiles qui retiennent rarement l’attention du public. Pour les cinéastes en herbe présents au Comic-Con, cette session a apporté un éclairage inestimable sur les réalités de la réalisation cinématographique moderne. Pour les passionnés de cinéma de longue date, elle a offert quelque chose d’aussi enrichissant : l’occasion d’entendre des réalisateurs accomplis parler ouvertement tant de leurs succès que des innombrables défis créatifs qui se cachent derrière chaque production achevée.

Pourquoi ce panel au Hall H a été l’un des moments forts du San-Diego Comic-Con

Le panel a également mis en évidence la remarquable diversité du cinéma hollywoodien contemporain. Zach Cregger s’est imposé comme l’une des nouvelles voix les plus passionnantes du cinéma d’horreur en combinant un suspense dérangeant à une narration profondément humaine. Jonathan Goldstein et John Francis Daley continuent de redéfinir le divertissement à grand spectacle en mêlant comédie, aventure et sincérité émotionnelle d’une manière qui surprend sans cesse le public. Bien qu’ils travaillent dans des genres très différents, ces trois cinéastes partagent la même volonté de traiter le public avec intelligence et respect, refusant de se reposer uniquement sur le spectacle visuel alors qu’une narration soigneusement construite peut avoir un impact émotionnel bien plus fort.

À bien des égards, la discussion Directors on Directing de cette année a parfaitement résumé ce qui rend le Comic-Con de San Diego unique. Au milieu de l’effervescence suscitée par les univers de super-héros, les bandes-annonces exclusives et les franchises à grand succès, le salon continue de faire place à des discussions approfondies célébrant l’art du cinéma en soi. L’accueil enthousiaste réservé dans le Hall H a confirmé que le public reste profondément intéressé non seulement par ce que produit Hollywood, mais aussi par la compréhension de la manière dont ces films prennent vie. Qu’il s’agisse d’évoquer les fondements émotionnels de l’horreur, la dynamique collaborative des partenariats créatifs à long terme ou l’équilibre délicat entre ambition artistique et cinéma commercial, Steven Weintraub, Zach Cregger, Jonathan Goldstein et John Francis Daley ont animé l’une des tables rondes les plus captivantes et les plus enrichissantes intellectuellement de la convention.

En quittant le Hall H, les participants emportaient avec eux bien plus que le souvenir d’extraits exclusifs ou d’apparitions surprises de célébrités. Ils avaient assisté à une conversation sincère entre des cinéastes passionnés par leur métier, unis par la conviction que les histoires les plus fortes ne reposent pas, en fin de compte, sur les effets visuels ou la notoriété d’une franchise, mais sur des personnages mémorables, des scénarios soigneusement élaborés et le courage de faire confiance à son instinct créatif. Dans un salon réputé pour ses effets spectaculaires, cette célébration du cinéma en soi s’est avérée être l’un des moments forts du Comic-Con de San Diego 2026.

Collider Directors on Directing  
Lieu : Hall H, San Diego Convention Center, San Diego, Californie, États-Unis.
Date et heure : jeudi 23 juillet 2026, de 15 h 30 à 16 h 30 (PDT), dans le cadre du Comic-Con de San Diego 2026.

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Photos et vidéo 4K : Boris Colletier / Mulderville