Festivals - FCAD 2024 : Greg Kwedar et Clint Bentley discutent du pouvoir de la rédemption dans Sing Sing

Par Mulder, Deauville, Hôtel Barrière Le Royal , 09 septembre 2024

Festival du Cinéma Américain de Deauville 2024, Sing Sing, réalisé par Greg Kwedar, a fait une forte impression avec sa représentation de l'art comme moyen de rédemption dans les limites d'une prison de haute sécurité. Inspiré par le programme de réhabilitation par les arts (RTA) de la prison de Sing Sing, le film suit un groupe d'hommes incarcérés qui trouvent espoir et raison d'être en participant à une troupe de théâtre. La profondeur émotionnelle du film, renforcée par la performance exceptionnelle de Colman Domingo et l'inclusion de participants au programme RTA tels que Clarence Divine Eye Maclin, a profondément touché le public. L'authenticité apportée par ces participants réels a ajouté un poids émotionnel profond à l'histoire, ce qui en a fait un film phare du festival de cette année. Nous avons eu l'occasion d'interviewer le réalisateur et le scénariste Greg Kwedar et Clint Bentley.

Q : Tout d'abord, félicitations pour ce film extraordinaire ! Le public a vraiment applaudi à la fin, et j'ai personnellement adoré. Pourriez-vous nous dire ce qui vous a inspiré à l'origine pour raconter l'histoire du programme Sing Sing de réhabilitation par les arts ?

Greg Kwedar : Bien sûr, merci. Nous travaillons sur ce film depuis plus de huit ans et nous avons découvert cette histoire de manière tout à fait inattendue. Il y a huit ans, je produisais un court documentaire au Kansas ; c'était la première fois que je me retrouvais derrière les murs d'une prison. Lors d'une visite de l'établissement, nous faisions un documentaire sur un autre sujet, mais je suis passé devant une cellule et j'ai vu un jeune homme élevant un chien de sauvetage à l'intérieur de la cellule. Cela m'a immédiatement stoppé dans mon élan, car cela bouleversait toutes les attentes que j'avais à l'égard de la prison et des personnes incarcérées dans les films que j'ai regardés en grandissant. Mais ici, dans cette cellule, j'ai été témoin d'une guérison dans les deux sens entre cet homme et cet animal, et j'ai ressenti de la compassion et de l'attention. Cette nuit-là, dans la chambre d'hôtel, j'étais désespérée de savoir s'il y avait quelqu'un d'autre qui faisait les choses différemment. J'ai trouvé Rehabilitation Through the Arts très rapidement sur Internet à New York. L'association existe depuis 1996, fondée par une femme nommée Katherine Bodkins avec plusieurs hommes incarcérés, et elle monte des pièces de théâtre depuis lors. Je suis tombée sur une pièce très étrange et inhabituelle dans un article du magazine Esquire, une comédie musicale qui voyage dans le temps intitulée Breaking the Mummy's Code, et j'ai été frappée par la joie qu'éprouvent les hommes à participer à ce processus. Chaque production se déroule dans un environnement si sombre - Sing Sing, l'une des prisons les plus tristement célèbres au monde - mais c'est quelque chose qui m'a vraiment donné envie de ressentir la même joie que ces hommes, et je voulais partager cela avec Clint.

Q : Le film présente à la fois les dures réalités de la vie carcérale et les moments de beauté et de transformation par les arts. Quels sont les thèmes clés que vous vouliez mettre en avant dans Sing Sing ?

Greg Kwedar : Les thèmes clés que nous voulions mettre en avant... Je pense que ce que vous venez d'évoquer était très important pour nous depuis le début. Ces hommes, dans cet endroit très sombre, sont tous venus pour des raisons différentes et sont arrivés là différemment, mais ils sont tous là pour regarder vers l'avant et penser à ce qui va suivre. Ils essaient de trouver un meilleur chemin pour leur vie et de se libérer, que ce soit physiquement ou mentalement et émotionnellement. C'est quelque chose que nous avons toujours essayé de mettre en avant au fur et à mesure que nous élaborions le scénario.

Q : L'histoire évoque l'humanité des hommes incarcérés. Comment avez-vous abordé l'élaboration d'un récit qui évite de stéréotyper les prisonniers et se concentre plutôt sur leur potentiel de croissance et de changement ?

Clint Bentley : C'était très important pour nous d'éviter les stéréotypes et de montrer les hommes comme des personnes. Nous avons conçu l'histoire de manière à ce que l'amitié qui en est le centre devienne une sorte de phare. En racontant l'histoire de cette pièce, nous nous sommes vraiment concentrés sur l'amitié de ces hommes, à mesure qu'elle se développe, grandit et change. La communauté qu'ils forment est devenue la chose la plus importante.

Q : Greg, l'interprétation de John Divine G. Whitfield par Colman Domingo est incroyable. Comment s'est déroulé le casting pour ce rôle et comment s'est-il préparé à incarner un personnage aussi complexe ?

Greg Kwedar : Nous avons choisi cette histoire d'amitié assez tard dans le processus - le développement a duré environ six ans. Nous allions repartir sur un nouveau scénario, et lorsque nous avons décidé de raconter une histoire d'amitié, les éléments clés de l'intrigue se sont mis en place très rapidement. En dix minutes environ, je les ai notés dans un carnet. Tout en bas de la page, j'ai simplement écrit : « Colman Domingo dans le rôle de Divine G ». J'ai senti instinctivement que c'était lui qui devait jouer ce rôle. Nous avons contacté son équipe par l'intermédiaire de notre manager et, deux mois plus tard, nous avions un appel Zoom avec lui. Nous n'avions pas de scénario à partager parce que nous repartions à zéro ; nous n'avions pas de budget. Nous n'avions que l'article du magazine Esquire et six ans d'expérience et d'histoires à partager. Il est entré dans Zoom avec nous et a entendu parler du chemin que nous avions parcouru. À la toute fin de la conversation, il a déclaré : « À ce stade de ma carrière, je me rends compte que certains projets vous recherchent pour vous apprendre quelque chose. Vous ne savez pas ce que c'est, mais vous savez que c'est ce qu'ils essaient de vous apprendre, et je dis oui à ce moment de ma vie. J'ai trois semaines de libre en juillet. » J'ai dit : « On les prend ! » Je pense qu'il était également très attiré par le fait qu'il y avait une toile ouverte ici, qu'il pouvait vraiment y entrer avec la plénitude de ce qu'il était en tant qu'artiste. Il n'est pas seulement l'un de nos grands acteurs, il est aussi écrivain, réalisateur, dramaturge et producteur. Il s'agissait d'un projet dans lequel il pouvait mettre tout cela à profit, en aidant vraiment à façonner ce personnage. Pour répondre à votre question sur la manière dont il l'a construit, il a très tôt fixé une intention pour son personnage : « Je veux qu'il y ait trois choses - je veux qu'il soit honnête, je veux qu'il soit élégant et je veux qu'il soit tendre. C'était une distillation précieuse de ce que nous savions sur le vrai Divine G. et sur les hommes du programme, et c'est devenu la lentille à travers laquelle nous avons construit le programme à ses côtés. Il a eu des conversations avec le vrai Divin G., qui ont joué un rôle déterminant dans la formation de son rôle, mais il aime aussi avoir de l'espace pour trouver sa propre voie dans le personnage. Ce n'était pas le cas de Paul Rey, qui joue le rôle de Brent. Il a travaillé en étroite collaboration avec Brent tout au long de la production. Les acteurs ont leur propre façon de faire et leur propre processus.

Q : Clarence Divine Eye Maclin joue son propre rôle dans le film. Qu'est-ce que cela vous a fait de travailler avec quelqu'un qui a vécu les expériences décrites dans le film ? Comment a-t-il influencé la direction de son personnage ?

Clint Bentley : Je dirais qu'en termes de construction du personnage avec lui - et peut-être que Greg peut parler de la façon dont il l'a dirigé et travaillé avec lui - il joue quelqu'un qui est basé sur sa propre vie, mais c'est vraiment un personnage dans la façon dont il est construit. Ce qu'il fait avec cette performance est incroyable. Nous n'aurions pas pu construire un personnage aussi complexe sans le connaître et sans qu'il le construise avec nous. Il a apporté tellement de sa propre vie et de ses propres expériences - pas seulement les événements du film, mais aussi l'intériorité qu'il a apportée et la compréhension de cette situation. Nous n'aurions jamais pu le faire sans lui. C'est un acteur tellement brillant, mais aussi une personne brillante, tellement réfléchie. Il a tout simplement amélioré les choses.

Q : Paul Raci joue également un rôle essentiel dans le film. Comment avez-vous décidé de le choisir et comment son personnage a-t-il contribué à façonner la dynamique de la troupe théâtrale dans l'histoire ?

Greg Kwedar : C'était un rôle très difficile à distribuer parce que si vous choisissez la mauvaise personne, ce pourrait être le genre de rôle où l'acteur arrive et attire toute l'attention sur lui. Paul Rey est le genre d'acteur qui dégage beaucoup de chaleur. Il peut dominer l'écran quand c'est son heure, mais il a une générosité d'esprit qui lui permet d'agir dans le contexte de la communauté et de laisser d'autres hommes se concentrer sur lui. Nous avons vu beaucoup de films sur l'enseignant qui participe au programme, mais il s'agit d'un point de vue différent, auquel on accède par l'intermédiaire des membres eux-mêmes. Paul joue un rôle très important en tant qu'instructeur et animateur. Son personnage est inspiré de Brent Bule, un homme que nous connaissons très bien et qui nous a accompagnés tout au long du processus de développement. Brent est une personne unique, et il ne s'agissait pas de le copier, mais de s'approprier l'esprit et l'essence de cette personne.

Q : Greg, le fait que de vrais anciens détenus fassent partie de la distribution confère au film une authenticité unique. Quel a été l'impact de leur participation sur le processus de tournage et sur l'atmosphère qui régnait sur le plateau ?

Greg Kwedar : À tous les niveaux - presque au niveau moléculaire, je dirais. Ils sont la force vitale du film. Nous avions treize anciens élèves de ce programme dans notre casting, ils sont donc le casting à bien des égards. Ils sont également très fiers de ce programme et de leur travail au sein de celui-ci, en tant qu'individus. Ils ont été comme des bergers, préservant ce que c'était vraiment - comment ce processus fonctionne et se déroule réellement. Ils ont également fait preuve de beaucoup d'enthousiasme pour leur premier film, ce qui a été très stimulant pour nous tous.

Q : Tourner dans des établissements pénitentiaires désaffectés a dû poser des problèmes. Pouvez-vous décrire comment cet environnement a influencé le ton du film et comment vous avez géré le poids émotionnel pour les acteurs et l'équipe ?

Clint Bentley : Le tournage dans des prisons désaffectées a certainement posé des problèmes. Il y a eu les défis physiques que nous avons tous relevés en essayant de faire le film. Ces environnements ne pardonnent pas - il n'y a pas d'air conditionné, l'air est mort, il n'y a que des sols en béton. Mais le plus difficile était, d'une certaine manière, pour les hommes de RTA qui revenaient. Ils devaient revêtir les vêtements verts qu'ils avaient portés il y a longtemps et retourner dans une installation. Mais en fin de compte, cette expérience s'est révélée très cathartique pour eux. Collectivement, ils ont eu un sentiment de catharsis en traversant ce processus. C'était magnifique de les voir passer par là, et maintenant les vêtements verts qu'ils portaient n'étaient pas quelque chose qui leur était imposé par un organisme gouvernemental - c'était un costume qu'ils choisissaient de mettre et d'enlever à la fin de la journée.

Q : J'ai entendu dire que le film avait été tourné en 16 mm. Qu'est-ce qui a motivé ce choix et comment pensez-vous qu'il a contribué à la narration visuelle globale ?

Greg Kwedar : Tout le mérite en revient à Pat Scola, notre directeur de la photographie, qui pensait que ce film devait être tourné sur ce format. Il a présenté des arguments à la fois pratiques et émotionnels. D'un point de vue pratique, nous n'avions pas le budget nécessaire pour créer ces environnements et les éclairer de manière à ce que l'œil numérique puisse tout voir. Le film est un support qui pardonne beaucoup ; beaucoup de choses peuvent être reléguées à l'arrière-plan. Nous avons également tourné une grande partie du film à midi, et la pellicule est magnifique à la lumière du jour d'une manière que le numérique pourrait avoir besoin de l'aube et du coucher du soleil pour atteindre. Mais je pense que l'essentiel est que ce film porte sur les visages humains, et que les textures et les histoires qu'un visage peut raconter prennent vie d'une manière très spéciale sur la pellicule.

Q : Greg, le contraste entre la froideur de l'environnement carcéral et la chaleur du programme théâtral est saisissant. Pouvez-vous nous dire comment vous avez travaillé avec le directeur de la photographie Pat Scola pour obtenir ce résultat ?

Greg Kwedar : Il s'agissait d'adopter un langage pour ces différents mondes et de ne pas essayer d'appliquer un ensemble de règles globales sur le plan visuel. L'une des choses dont nous avons beaucoup discuté pour définir l'approche était de faire en sorte que la caméra soit confinée de manière à ce que les gens se trouvent à l'intérieur de la prison. Une grande partie de la prison est très fermée, très formelle. Nous nous sommes inspirés de photographies prises à Sing Sing dans les années 1960, montrant des hommes attendant dans de longues files, et nous avons pensé qu'il s'agissait d'un motif important à intégrer dans le film. Quand on entre dans la salle, on se demande comment la caméra peut s'épanouir et s'animer, comme le font les hommes. La caméra est libre de ses mouvements, elle interagit, elle danse, elle devient son propre personnage. Ce sont là les deux véritables caractéristiques du film, parmi de nombreuses autres décisions prises au cours du processus.

Q : La pièce au sein du film, Breaking the Mummy's Code, est un choix unique. Qu'est-ce qui a motivé le choix de cette production spécifique comme pièce maîtresse du programme théâtral des détenus ?

Greg Kwedar : C'est venu dès le début, il y a huit ans, cette nuit-là dans une chambre d'hôtel. Nous savions qu'il pouvait y avoir un film au sein de RTA en lisant n'importe quel article sur n'importe quelle production. Mais il y a quelque chose de très difficile dans le fait de dramatiser un programme de théâtre. Si vous deviez dramatiser le fait qu'ils jouent une pièce de théâtre dans un environnement aussi dramatique, cela pourrait devenir un mélodrame. Breaking the Mummy's Code est un merveilleux contrepoids aux réalités de cet établissement. Cela peut sembler stupide à certains, mais pour ces hommes, c'était la vie ou la mort - une belle lumière à laquelle s'accrocher et qui leur permettait de continuer.

Q : Le film aborde la rédemption, le pardon et le pouvoir de transformation de l'art. Comment espérez-vous que le public réagira à ces thèmes, en particulier dans le contexte d'une prison ?

Clint Bentley : Je pense que ce que nous constatons, c'est que le public se sent profondément lié à ces hommes et qu'il réfléchit au pouvoir de la rédemption et au pouvoir de l'art dans sa propre vie. D'une certaine manière, ils sont en contact avec des hommes largement oubliés par la société - volontairement oubliés par la société - et ils sont inspirés par eux, tout comme nous l'avons été il y a tant d'années. Cela fait plaisir à voir.

Q : Il est clair que le film présente les arts comme un puissant outil de réinsertion. Comment voyez-vous ce message s'intégrer dans la conversation plus large sur la réforme des prisons et du système judiciaire ?

Greg Kwedar : Il existe une statistique assez stupéfiante concernant l'efficacité de ce travail et le processus de transformation de ce programme. Aux États-Unis, le taux de récidive - la probabilité qu'une personne retourne en prison dans les cinq ans suivant sa libération - est supérieur à 60 %. Les diplômés de ce programme ? Moins de 3 % d'entre eux retournent en prison. Mais ce n'est pas sorcier. C'est ce qui se produit lorsqu'on donne à quelqu'un accès à l'art, à la créativité et à l'éducation. Ce sont des outils essentiels au développement et à l'épanouissement de l'être humain. Si l'on supprime ces outils et que l'on broie quelqu'un en lui ôtant son individualité et son humanité, que pensez-vous qu'il va se passer ? Mais si vous créez la capacité de développer l'empathie et de permettre à quelqu'un de s'épanouir, alors il s'épanouira.

Q : En tant que réalisateur, quelle a été la partie la plus difficile de cette histoire, et quel a été l'aspect le plus gratifiant du projet pour vous ?

Greg Kwedar : La partie la plus difficile a été ces six années de développement - juste pour arriver au point de réalisation, pour trouver l'histoire. Une fois que vous y êtes et que vous le faites, c'est un cadeau. Être sur le plateau de tournage d'un film est une chose si précieuse qui n'arrive pas souvent. En huit ans de carrière en tant que réalisateur de longs métrages, j'ai réalisé 35 jours au total entre deux films. Lorsque vous vous rendez compte de cela, vous éprouvez une grande gratitude pour ce que vous faites. Quelle a été la partie la plus gratifiante ? La partie la plus gratifiante a été de créer un espace pour que des hommes qui ont enduré tant de choses puissent à nouveau se produire sur scène et communiquer leur histoire au monde entier.

Q : En tant que coscénariste et producteur, comment votre vision du film a-t-elle évolué depuis sa conception initiale jusqu'au produit final ?

Clint Bentley : Je pense que c'est dans l'histoire qu'elle a le plus évolué. Le ton que Greg voulait adopter dès le début se retrouve dans le film final - c'est celui qu'il voulait capturer au début du processus, il y a huit ans. Six ans avant le début du tournage, il était étonnant mais vraiment difficile de trouver comment structurer un scénario de manière à rendre compte de ce que Greg essayait de faire et de ce que RTA faisait dans ses salles et ses programmes. Mais c'était la partie la plus difficile. Qu'est-ce qui n'a pas changé ? Ce que je n'avais pas réalisé, et ce qui m'épate dans le film final, c'est la joie qui s'en dégage. Même la joie qui se dégage de la tristesse. Je disais à Greg l'autre jour qu'il s'agissait d'une sorte de film de détente, plutôt que d'un autre genre. C'est très difficile à faire et très amusant.

Q : Vous avez déjà travaillé ensemble tous les deux. En quoi votre collaboration sur Sing Sing diffère-t-elle de vos projets précédents ?

Greg Kwedar : Nous travaillons ensemble depuis près de 14 ans. Nous avons fait trois films ensemble et Clint travaille actuellement sur un quatrième film que nous avons écrit ensemble. Ce qui est formidable dans notre façon de travailler ensemble, c'est que nous sommes tous deux des réalisateurs distincts avant tout, mais nous partageons un tel sens des valeurs, et il y a beaucoup de recoupements dans nos goûts, notre façon de voir le monde et les choses qui nous intriguent. Nous avons trouvé cette façon unique de travailler, en écrivant ensemble et en aidant le cinéaste à trouver ce que Clint vient de dire : trouver un moyen d'accomplir l'instinct autour d'un film. Ensuite, nous soutenons le réalisateur en tant que producteur. En faisant cela et en étant presque respectueux de la vision d'autrui, alors que vous êtes un réalisateur qui a souvent sa propre vision et son propre point de vue, cela vous façonne en tant que cinéaste. Il y a une humilité inhérente au processus qui, je pense, est précieuse pour travailler dans un milieu aussi collaboratif.

Q : Le film a reçu des ovations et des critiques incroyables après sa première au Festival international du film de Toronto. Comment ces réactions ont-elles influencé votre sentiment quant à l'avenir du film et à ses chances d'être récompensé ?

Clint Bentley : Ce qui est étonnant, c'est qu'il y a eu une belle ovation à Toronto, ce que nous n'avions jamais connu auparavant. Mais ce qui est vraiment magique, c'est qu'un grand nombre des hommes qui jouent dans le film étaient là, avec nous. Rien que de voir l'amour que le public leur portait, c'était la première fois que nous présentions le film au public, où que ce soit. Je pense que nous sommes maintenant habitués à l'amour que le public leur porte, mais en repensant à ce moment, le simple fait de voir la réaction qu'ils recevaient et la joie que les gens éprouvaient à leur contact - c'était mieux que n'importe quel prix qui viendrait ou ne viendrait pas.

Q : A24 a fait de Sing Sing un prétendant majeur aux récompenses. Qu'est-ce que cela signifie pour vous, en tant que cinéastes, de bénéficier d'un tel appui et d'un tel soutien ?

Greg Kwedar : De la part d'A24, il s'agit d'un lien rare. Nous avons fait un film avec une approche très communautaire, ce qui n'est pas le cas de beaucoup de films. Je pense que beaucoup de films sont conçus pour cela, mais ce n'est pas toujours le cas - quand tout le monde se sent vraiment concerné par le film, et qu'ils donnent le meilleur d'eux-mêmes collectivement. Ce qui est rare, c'est de rencontrer un studio qui fonctionne de manière très communautaire. Ils donnent vraiment à leur équipe les moyens de sortir, de faire bouger les choses, de prendre des décisions et d'avoir des idées novatrices. Il s'agissait d'une merveilleuse connexion de cœur. Le film a également eu une résonance personnelle pour eux. Ils étaient audacieux - ils avaient une ambition énorme pour ce que cela pouvait être, et ils ont en fait élargi notre propre croyance en ce qui était possible. Comme l'a dit Clint, il est étrange de participer à la remise des prix, car nous avons réalisé quelque chose d'une manière très communautaire qui, par le biais des prix, peut être considéré comme une réalisation individuelle. Mais en réalité, nous voulons célébrer et mettre en valeur ce projet dans son ensemble. Ce que les prix peuvent faire pour les films indépendants, en donnant de l'oxygène et une raison au public de les voir, cela en vaut la peine. Ainsi, des gens du monde entier verront cette histoire, rencontreront ces hommes et se sentiront concernés par les thèmes dont nous avons parlé.

Q : Le public du Festival du film américain de Deauville a vraiment applaudi à la fin de la projection. Quel effet cela fait-il de voir le public international s'identifier à l'histoire à un niveau émotionnel aussi profond ?

Clint Bentley : C'était incroyable. Nous sommes de retour à Deauville après y avoir été il y a huit ans avec Transpecos, le premier film de Greg en tant que réalisateur. C'était incroyable à voir. Nous ne l'avions jamais partagé avec un public international de cette manière, et voir leur amour pour ce film - même en lisant les sous-titres au bas de l'écran - était époustouflant. C'était vraiment magnifique.

Greg Kwedar : La passion des Français pour une histoire aussi émouvante a quelque chose de particulier. Ce qui a été incroyable, c'est d'entendre, simplement dans la rue, des gens qui étaient dans le public dire avec passion ce que le film leur a fait ressentir. Cela a été une très belle expérience cette semaine.

Q : Enfin, quel est, selon vous, le message que les spectateurs retiendront après avoir vu Sing Sing ?

Greg Kwedar : J'espère que les gens reconnaîtront le potentiel humain qui se cache derrière les murs. J'espère  que les gens célèbrent les amitiés qui existent dans leur vie et qu'ils reconnaissent que, quelles que soient les difficultés, nous pouvons nous accrocher les uns aux autres. Nous pouvons choisir la joie - c'est un état d'esprit. Peu importe ce que le monde nous jette à la figure ou ce qui se passe contre nous, nous pouvons toujours avoir de l'amour les uns pour les autres.

Synopsis :
Divine G, emprisonné à Sing Sing pour un crime qu'il n'a pas commis, trouve un but en jouant dans une troupe de théâtre avec d'autres hommes incarcérés dans cette histoire de résilience, d'humanité et du pouvoir de transformation de l'art.

Sing sing
Réalisé par Greg Kwedar
Produit par Monique Walton, Clint Bentley, Greg Kwedar
Écrit par Clint Bentley, Greg Kwedar
Histoire de Clint Bentley, Greg Kwedar, Clarence Maclin, John Divine G Whitfield
D'après The Sing Sing Follies de John H. Richardson, Breakin' The Mummy's Code de Brent Buell
Avec Colman Domingo, Clarence Maclin, Sean San José, Paul Raci
Musique : Bryce Dessner
Directeur de la photographie : Pat Scola
Montage : Parker Laramie
Sociétés de production : Black Bear Pictures, Marfa Peach Company, Edith Productions
Distribué par A24 (USA)
Date de sortie : 12 juillet (États-Unis)
Durée du film : 105 minutes

Photos et vidéo : Boris Colletier / Mulderville

Nous remercions Greg Kwedar et Clint Bentley d'avoir pris le temps de répondre à nos questions.