Coyote Vs. Acme

Il y a quelque chose de presque indécemment approprié dans le fait que le film Coyote vs. Acme ait dû survivre à sa propre épreuve impossible avant de parvenir jusqu’au public. Le film de Dave Green prend un personnage dont la vie est marquée par les écrasements, les explosions, les chutes de falaises et les trahisons dues à des machines défectueuses, puis le place au cœur d’une histoire où il s’agit de refuser de disparaître. En dehors du film, le parallèle est devenu irrésistible : achevé des années plus tôt et tristement mis de côté par Warner Bros. Discovery, le film a finalement échappé à l’oubli corporate lorsque Ketchup Entertainment l’a acquis. Cette étrange histoire accompagne inévitablement Coyote vs. Acme jusqu’au cinéma, mais la bonne surprise, c’est que le film n’a pas besoin de son histoire de sauvetage pour justifier son existence. Il est véritablement drôle, magnifiquement attaché à l’héritage des Looney Tunes et bien plus perspicace sur l’échec, le consumérisme et le pouvoir des grandes entreprises que quiconque aurait pu s’y attendre d’une comédie dont le protagoniste passe depuis des décennies à commander de la dynamite par correspondance.

Ce postulat merveilleusement absurde s'inspire d'un article d'Ian Frazier publié en 1990 dans le New Yorker, dans lequel il imaginait Wile E. Coyote intentant une action en justice contre le fabricant responsable de sa collection infinie de gadgets défectueux. Ici, après des années passées à utiliser des fusées, des aimants, des explosifs et d'autres produits Acme d'une fiabilité catastrophique, ce prédateur éternellement malchanceux finit par se convaincre qu'il n'est peut-être pas entièrement responsable de ses malheurs. C’est là qu’entre en scène Kevin Avery, un avocat spécialisé dans les dommages corporels en pleine déchéance, interprété par Will Forte, qui gagne habituellement sa vie en obtenant de maigres indemnités pour des personnages de dessins animés habitués à subir des blessures spectaculaires mais temporaires. Au départ, Kevin considère la plainte de Wile E. comme une nouvelle occasion de décrocher un règlement à l’amiable bon marché, tandis que sa nièce idéaliste et stagiaire, Paige, incarnée par Lana Condor, pressent qu’il s’agit d’une affaire d’une ampleur bien plus grande. Très vite, leur affaire attire l’attention du redoutable avocat d’Acme, Buddy Crane, incarné par John Cena avec une mâchoire monumentale, des cravates bolo de plus en plus ridicules et exactement le genre d’assurance que l’on attend d’un homme qui n’a jamais sérieusement envisagé la possibilité qu’il puisse avoir tort.

Ce que Samy Burch, s’appuyant sur un scénario qu’elle a coécrit avec James Gunn et Jeremy Slater, comprend à merveille, c’est que Wile E. Coyote a toujours été plus intéressant que le Road Runner. L’oiseau incarne en substance la perfection en mouvement ; Wile E., quant à lui, représente une aspiration qui se heurte sans cesse à la réalité. Ses échecs sont drôles parce qu’ils sont inévitables, mais aussi parce qu’il se relève de chaque cratère et recommence. Coyote vs. Acme transforme cette répétition en quelque chose d’étonnamment poignant, sans pour autant tenter de le réhabiliter en héros conventionnel et attachant. Il veut toujours manger le Road Runner. Il reste obsessionnel, manipulateur et d’une confiance en soi catastrophique. Pourtant, derrière ces énormes yeux jaunes se cache une créature qui a construit son identité autour d’un objectif inatteignable. L’une des idées les plus ingénieuses du film est donc philosophique plutôt que nostalgique : si Wile E. cessait un jour de poursuivre le Road Runner, qui deviendrait-il exactement ? Le mystérieux Projet Sisyphe rend cette référence explicite, mais le film laisse judicieusement la comédie porter la philosophie au lieu d’en noyer les spectateurs.

Will Forte s’avère être un partenaire humain inspiré pour cette catastrophe existentielle. Il ne cherche pas à rivaliser avec l’animation, et cette retenue devient l’une des armes secrètes du film. Kevin accepte les personnages de dessins animés comme faisant partie intégrante de la vie quotidienne à Albuquerque, ce qui permet au film d’éviter de perdre du temps à montrer des humains regardant avec incrédulité chaque fois qu’un personnage en deux dimensions entre dans une pièce. Sa normalité épuisée rend la folie qui l’entoure d’autant plus drôle. John Cena, à l’inverse, prend le contre-pied et se transforme pratiquement en personnage des Looney Tunes : Buddy Crane est pompeux, physiquement imposant et magnifiquement imbu de lui-même. Lana Condor apporte la sincérité nécessaire au personnage de Paige, même si le scénario lui accorde moins de profondeur qu’à Kevin, et certains personnages humains secondaires paraissent inévitablement un peu plats face à près d’un siècle de personnalités animées. De son côté, Eric Bauza accomplit la formidable tâche de prêter sa voix à de nombreux personnages familiers tout en respectant plutôt qu’en se contentant d’imiter l’héritage de Mel Blanc.

D’un point de vue technique, l’illusion est remarquablement convaincante. Dave Green comprend que la combinaison de prises de vues réelles et d’animation ne vise pas tant à mettre en avant la technologie numérique qu’à établir des relations physiques crédibles entre des personnages qui n’ont jamais occupé le même espace pendant la production. Les acteurs avaient un partenaire de scène inhabituel sur le plateau : le marionnettiste chevronné Dave Barclay manipulait une marionnette grandeur nature de Wile E. Coyote, dotée de bras mobiles, de sourcils et d’expressions simples, offrant ainsi aux comédiens de véritables repères visuels et physiques. Cette préparation pratique porte constamment ses fruits. Les personnages semblent habiter les bureaux, les salles d’audience et les paysages désertiques au lieu de flotter au-dessus d’eux, tandis que la photographie de Brandon Trost confère aux environnements humains suffisamment de texture pour que les intrusions animées paraissent délicieusement perturbatrices. Les cinéastes mélangent également le travail traditionnel en 2D avec l’animation 3D plutôt que d’imposer aux Looney Tunes une esthétique numérique unique et lisse. Mais surtout, la comédie physique conserve tout son poids : les fusées accélèrent, les enclumes s’écrasent, les corps s’étirent, les visages se déforment et la gravité attend patiemment que Wile E. remarque qu’il n’y a plus de sol sous ses pieds.

La satire n’est guère subtile, mais la subtilité n’a jamais été une condition sine qua non pour faire tomber une enclume sur la tête de quelqu’un. Acme, autrefois mystérieux fournisseur de gadgets impossibles, est devenue une immense entreprise dont l’emprise s’étend à pratiquement tous les recoins de la société, et le scénario s’amuse beaucoup à imaginer les personnages de dessins animés comme des consommateurs particulièrement utiles : des clients exploitables à l’infini, que l’on peut écraser, brûler et faire exploser avant qu’ils ne reprennent leur forme initiale. On y trouve évidemment une critique des monopoles, de l’obsolescence programmée et des entreprises qui traitent leurs clients comme de simples données, mais la plaisanterie a pris une dimension bien plus acérée après que le film lui-même a été jugé commercialement jetable. Cette coïncidence aurait facilement pu alourdir le film ; au contraire, elle confère à la bataille judiciaire une intensité supplémentaire inattendue. Le personnage fictif d’outsider poursuivant en justice l’entreprise qui le considère comme jetable n’est arrivé dans les salles qu’après que le film qui lui est consacré eut lui-même survécu à un traitement à peu près identique. Même Acme aurait eu du mal à fabriquer une ironie aussi efficace.

Tout ne fonctionne pas toujours avec la précision de Road Runner. Les intrigues de complot deviennent parfois plus alambiquées que nécessaire, et la structure de thriller judiciaire répète des informations alors qu’une nouvelle explosion de chaos à la Looney Tunes aurait peut-être été plus appréciée. Les jeunes spectateurs apprécieront peut-être la comédie physique tout en se demandant pourquoi on accorde autant d’attention à la responsabilité des entreprises et aux stratégies juridiques, tandis que les adultes qui ont grandi avec ces personnages tireront sans doute un bien meilleur parti des clins d’œil. Et les comparaisons avec Qui veut la peau de Roger Rabbit ? sont inévitables mais quelque peu injustes : le film de Robert Zemeckis, sorti en 1988, reste une fusion plus sombre et plus audacieuse sur le plan formel entre le film noir et l’animation. Coyote vs. Acme vise quelque chose de plus chaleureux et délibérément moins menaçant. Son mérite n’est pas de surpasser ce film emblématique, mais de comprendre pourquoi ces personnages perdurent et de refuser de les moderniser en gommant leurs excentricités. Les apparitions spéciales donnent largement l’impression d’être des habitants de cet univers plutôt que des éléments de propriété intellectuelle défilant à l’écran.

Contre toute attente, Coyote vs. Acme finit par devenir quelque chose de plus rare qu’une simple relance de franchise : un film qui témoigne d’une véritable affection pour les personnages dont il a hérité et qui offre une véritable raison de les faire revenir. Dave Green et Samy Burch ont compris que ce qui faisait tout l’humour de Wile E. Coyote, ce n’était pas simplement ses échecs, mais le fait que ces échecs ne l’aient jamais dissuadé de continuer à essayer. Au-delà des explosions, des scènes théâtrales au tribunal et d’une bêtise magnifiquement orchestrée, le film met en avant un plaidoyer étrangement émouvant en faveur de la persévérance, sans pour autant compromettre la folie intrinsèque du personnage. Son propre parcours – de la production achevée à la victime des aléas de l’entreprise, puis enfin à la sortie en salles – renforce encore davantage la résonance de cette idée, mais le film mérite ce sentiment par ses propres mérites. Wile E. n’attrapera probablement jamais le Road Runner, Acme ne fabriquera probablement jamais de patins-fusée qui fonctionnent comme il faut, et demain, un autre rocher atterrira presque certainement sur la tête de quelqu’un. L’important, c’est qu’une fois la poussière retombée, le Coyote se relève. Après tout ce que ce film a traversé, le voir se relever n’a jamais été aussi satisfaisant.

Coyote vs. Acme
Réalisé par Dave Green
Écrit par Samy Burch
Scénario de James Gunn, Jeremy Slater et Samy Burch
D'après Coyote v. Acme  de Ian Frazier
Produit par Chris DeFaria et James Gunn
Avec Will Forte, Lana Condor, Tone Bell, Luis Guzmán, Martha Kelly, P. J. Byrne, Eric Bauza, Kenneth Choi et John Cena
Direction de la photographie : Brandon Trost
Montage :  Carsten Kurpanek
Musique de Steven Price
Sociétés de production : Warner Animation Group, Troll Court Entertainment, Keylight Pictures
Distribué par Ketchup Entertainment (États-Unis),
Dates de sortie : 25 juillet 2026 (Comic-Con de San Diego), 28 août 2026 (États-Unis)
Durée : 103 minutes

Vu le 31 aout 2026