Sanguine

L’idée la plus troublante du film Sanguine est qu’un corps peut mieux s’adapter à son milieu de travail en perdant de son humanité., Le premier long métrage de Marion Le Corroller reprend cette exigence bien connue de persévérer malgré l’épuisement et la pousse jusqu’au grotesque. Son service des urgences promet des soins tout en soumettant ses jeunes médecins à une culture d’évaluation incessante. La compassion devient un obstacle à l’efficacité ; la souffrance physique, un secret à dissimuler. Présenté pour la première fois dans la section Séances de minuit au Festival de Cannes en 2026, ce film est une contribution rageuse, parfois sans détour, à l’horreur corporelle française, dotée d’une conviction et d’une inventivité dérangeante suffisantes pour se démarquer des inévitables comparaisons avec The Substance. Ses moments les plus forts font passer l’ambition professionnelle pour une trahison intime. Festival de Cannes

Au cœur de l’intrigue se trouve une interne incarnée par Mara Taquin, dont la détermination à réussir devient de plus en plus difficile à dissocier de sa propre dégradation. De jeunes patients arrivent avec des symptômes inexpliqués, et la frontière entre l’examen de leurs corps et la peur de son propre état s’effrite progressivement. Le cadre hospitalier confère à cette évolution une logique particulièrement cruelle : entourée d’une expertise médicale, elle ne peut admettre sans gêne qu’elle a besoin d’aide. Le faire reviendrait à exposer une faiblesse dans un environnement qui récompense l’endurance. L’explosion de violence qui ouvre le film dans un fast-food montre que le problème dépasse le cadre médical. Dans des métiers très différents, la même attente persiste : rester aimable, rester utile et continuer à avancer. C’est dans ce lien que le film trouve son argument social le plus convaincant.

Derrière cette provocation se cache une histoire personnelle. Avant de se lancer dans le cinéma, Marion Le Corroller a travaillé dans la finance et a souffert d’un burn-out ; elle a également passé plusieurs semaines à observer le fonctionnement des services d’urgence dans le cadre de ses recherches pour ce projet. Ce parcours explique en partie pourquoi le scénario, coécrit avec Thomas Pujol, s’intéresse autant aux attraits de la réussite qu’à ses revers. Le jeune médecin veut exceller, et l’institution peut exploiter ce désir sans pour autant l’étouffer. Vues sous cet angle, les mutations deviennent quelque chose de plus troublant qu’une simple illustration physique du stress : elles suggèrent une adaptation à des conditions que personne ne devrait avoir à accepter. Le film est à son apogée lorsque la résilience apparente commence à ressembler à une capitulation. Il pose la question de ce qu’il reste d’une vocation lorsque, pour être bon dans son métier, il faut devenir indifférent à la souffrance.

Mara Taquin confère à ce dilemme une crédibilité émotionnelle dont le film a cruellement besoin chaque fois que son symbolisme prend des proportions démesurées. Son jeu mêle avec une proximité troublante le sang-froid professionnel et l’inquiétude intime, rendant l’effort pour paraître compétente presque aussi angoissant que les symptômes eux-mêmes. La production a exigé un engagement physique considérable : la réalisatrice évoque des séances de maquillage pouvant durer huit heures et un corset lourd équipé d’une caméra. Ces détails contribuent à expliquer l’intensité physique, même si la performance va bien au-delà de la simple endurance. Derrière le spectacle se cache une personne effrayée. Face à elle, Karin Viard apporte un humour pince-sans-rire et punitif au personnage de la médecin-chef, transformant l’autorité en une forme de théâtre où l’approbation reste toujours hors de portée. Kim Higelin et Sami Outalbali apportent des énergies contrastées parmi les jeunes médecins, même si leurs personnages disposent de moins d’espace pour s’épanouir.

Le caractère relativement désert de l’hôpital est un choix révélateur. Ceux qui s’attendent au naturalisme bondé d’une série médicale pourraient, au premier abord, trouver ces espaces étrangement peu peuplés, mais le réalisateur a explicitement souhaité éviter de représenter un hôpital réaliste. Une grande partie de cet environnement a été recréée sur un ancien campus abandonné, et c’est la chef décoratrice Anne-Sophie Delseries qui en a façonné l’identité graphique. Le résultat peut être interprété comme un lieu de travail vidé de toute source de réconfort : il y a de l’espace autour de la protagoniste, mais peu de place pour qu’elle respire. La photographie de Guillaume Schiffman et le montage haletant de Jérôme Eltabet viennent contraster avec l’immobilité de ce décor. La bande originale électronique ajoute une source supplémentaire d’agitation. Par moments, cette insistance devient lassante, mais elle convient à une histoire dans laquelle même les moments de répit apparents n’offrent aucun véritable répit.

Les effets mis au point avec Pierre-Olivier Persin sont essentiels à ce sentiment de malaise. Marion Le Corroller a décrit leur point de départ comme étant un ouvrage de dermatologie, où de véritables affections cutanées ont fourni formes et couleurs avant que les créations ne basculent dans l’invention. Cette méthode confère à l’horreur un seuil de crédibilité : ce qui s’interprète d’abord comme un problème médical devient de plus en plus insaisissable. Le matériel chirurgical ajoute une autre source de malaise, puisque le corps est déjà vulnérable aux incisions et interventions légitimes avant que les lésions fantastiques ne prennent le dessus. La comparaison avec The Substance est compréhensible, mais Black Swan, que le réalisateur identifie comme une référence majeure dans le dossier de presse, offre une autre perspective utile. Là encore, la quête de l’excellence fait du corps un lieu de surveillance, de discipline et de correction de plus en plus destructrice.

Malgré toute sa force, Sanguine ne fait pas toujours pleinement confiance aux implications de son postulat de départ. Sa description d’une culture d’entreprise compétitive est claire dès le début, et certains rebondissements ultérieurs amplifient un argument qui gagnerait à être davantage nuancé. Le médecin-chef peut sembler trop parfaitement conçu pour incarner la cruauté institutionnelle, tandis que les relations entre les internes laissent entrevoir davantage de tensions émotionnelles que le scénario n’exploite pleinement. Il existe également une tension entre l’intérêt du film pour une situation collective difficile et son recours à la descente individuelle dans une souffrance spectaculaire. Ces limites ont leur importance, car l’idée centrale possède une véritable envergure. Le film est plus convaincant lorsqu’il montre comment les gens apprennent à s’autocontrôler que lorsqu’il se contente de donner à une autorité oppressive une nouvelle occasion de démontrer sa laideur.

Pourtant, cette exagération a un but, et la plus grande réussite du film est de donner au discours sur le développement personnel un côté légèrement monstrueux. Il rejette l’idée réconfortante selon laquelle survivre à une pression insupportable équivaut nécessairement à réussir. Même son titre international prend une résonance troublante : quel genre de personne cet environnement sélectionne-t-il, et qu’est-ce qui doit disparaître au cours de ce processus ? Marion Le Corroller signe ici un premier film aux contours encore un peu rugueux, porté par une interprétation principale mémorable et animé d’une volonté manifeste de transformer la frustration sociale en horreur physique. Le scénario gagnerait à être plus ambigu et les personnages secondaires mériteraient davantage de place, mais la colère qui s’en dégage semble ancrée dans l’expérience vécue. Sous le sang se cache une peur familière : celle d’exceller dans une vie qui vous rend malade.

Sanguine
Réalisé par Marion Le Corroller
Écrit par Marion Le Corroller et Thomas Pujol
Réalisé par Carole Lambert, Alain Attal, Gaëtan David et André Logie
Avec Mara Taquin, Karin Viard, Kim Higelin, Sami Outalbali, Stefan Crepon, Clément Bresson, Sonia Faïdi, Benjamin Mendes, Joël Cudennec, Édouard Ducamp, Damien Jouillerot, Mukit Abdul Hamid, Niko Ravel
Direction de la photographie : Guillaume Schiffman
Montage : Jérôme Eltabet
Musique de Rob
Production companies : Windy Production, Anga Productions, La Compagnie Cinématographique, Panache Productions, Trésor Films
Distribué par ARP Sélection (France)
Dates de sortie : 28 octobre 2026 (France)
Durée : 103 minutes

Vu le 06 novembre 2026 au Gaumont Disney Village, Salle 9 place A20