Convention - SDCC 2026 : Brad Bird revient sur une vie consacrée à la narration

Par Mulder, San Diego, Conventon Center, Hall H, 23 juillet 2026

Brad Bird revient au Hall H pour une rétrospective inoubliable de sa carrière
 
Rares sont les cinéastes capables de captiver le public du Hall H en se contentant de raconter leur parcours créatif. Brad Bird est l’un d’entre eux. Ce cinéaste double lauréat d’un Oscar, dont la carrière s’étend de chefs-d’œuvre d’animation tels que Le Géant de fer, Les Indestructibles et Ratatouille au blockbuster Mission : Impossible – Protocole Fantôme, a occupé le devant de la scène lors du Comic-Con de San Diego 2026 pour une table ronde inoubliable intitulée Brad Bird : My Cinematic Journey. Animée par Steven Weintraub, rédacteur en chef de Collider, cette conversation d’une heure a dépassé le simple cadre d’une rétrospective. Elle a offert aux fans une occasion rare d’entendre l’un des conteurs les plus respectés d’Hollywood revenir sur les leçons qui ont façonné sa carrière, tout en dévoilant de nouveaux détails passionnants sur son projet de cœur tant attendu, Ray Gunn.

Dès l’instant où Brad Bird est monté sur la scène du Hall H, il était évident que cet événement ne serait pas une simple opération promotionnelle. Le cinéaste a su allier avec aisance humour, récits sincères et connaissances techniques en revenant sur les étapes clés qui l’ont fait passer du statut de jeune apprenti chez Disney à celui de figure incontournable de l’animation moderne. Chaque anecdote illustrait la même philosophie qui guide son travail depuis des décennies : les histoires passent toujours avant tout. Qu’il évoque ses premières influences, ses années chez Disney et Pixar, ou encore son passage au cinéma en prises de vues réelles, Bird n’a cessé de souligner l’importance d’explorer toutes les possibilités créatives plutôt que de se contenter de la solution la plus évidente.

La philosophie créative qui guide Brad Bird depuis des décennies

Cette philosophie remonte à l’une des figures les plus influentes de sa vie, le légendaire animateur de Disney Milt Kahl, qui a encadré le jeune cinéaste pendant son apprentissage officieux chez Walt Disney Productions. Bird a révélé qu’un enseignement de Kahl résonne encore dans son esprit chaque fois qu’il se lance dans un nouveau projet. Chaque fois que Bird présentait une idée qui semblait incomplète, Kahl le mettait au défi en insistant sur le fait qu’il n’avait pas « exploré toutes les possibilités ». Des décennies plus tard, Bird a expliqué que ces mots restaient au cœur de chacune de ses décisions créatives, l’encourageant à pousser les histoires au-delà de leurs versions les plus prévisibles et à rechercher sans cesse un territoire émotionnel plus riche.

Le Géant de fer aux plus grands succès de Pixar
 
Au cours de la conversation, Bird est revenu sur sa carrière remarquablement variée, de son travail novateur sur Les Simpson à la réalisation de Le Géant de fer, un film aujourd’hui largement considéré comme l’une des plus grandes réussites de l’animation malgré sa sortie en salles décevante en 1999. Avec le recul, Bird a admis que l’échec commercial du film n’avait pas grand-chose à voir avec un rejet du public, mais tenait entièrement à un marketing inadéquat. Il a fait remarquer avec humour que le marketing pouvait faire ou défaire un film, soulignant que Le Géant de fer n’avait véritablement trouvé son public que des années plus tard, grâce à des diffusions télévisées répétées et à la vidéo, pour finalement devenir l’un des films d’animation les plus appréciés de tous les temps. Loin d’exprimer de l’amertume, Bird semblait sincèrement reconnaissant que le film ait finalement trouvé le public qu’il avait toujours espéré.

Le réalisateur est également revenu sur sa célèbre collaboration avec Pixar, offrant un aperçu fascinant de l’évolution créative des Indestructibles. L’une des révélations les plus surprenantes de la table ronde concernait l’origine de Syndrome, désormais considéré comme l’un des méchants les plus mémorables de Pixar. Bird a expliqué que le personnage était né presque par hasard lors d’un premier exercice d’écriture demandé par le studio. À l’origine, Pixar l’avait mis au défi d’imaginer une ouverture où le public ferait d’abord la connaissance de la famille Parr menant une vie civile ordinaire avant d’apprendre qu’ils avaient autrefois été des super-héros. Bien que Bird n’ait jamais eu l’intention de conserver cette version de l’histoire, l’exercice a donné naissance à un antagoniste animé par la vengeance qui s’est immédiatement révélé plus captivant que le méchant initial. S'inspirant en partie de l'autobiographie de l'acteur Burt Ward et du ressentiment subtil qu'il percevait à l'égard du Batman d'Adam West, Bird a remodelé le personnage pour en faire Syndrome, le transformant ainsi en cœur émotionnel du conflit du film.

Bird a également évoqué la culture collaborative qui distinguait Pixar des autres studios où il avait travaillé auparavant. Plutôt que de s’opposer aux retours, il accueillait favorablement les critiques constructives émanant du célèbre Braintrust de la société, expliquant qu’il n’avait aucun mal à accepter des suggestions tant qu’elles amélioraient véritablement l’histoire. Cette volonté d’affiner les idées sans compromettre la vision artistique est devenue l’une des caractéristiques déterminantes de son processus de réalisation et a contribué à faire de Les Indestructibles et de Ratatouille des classiques récompensés aux Oscars.

La discussion s’est naturellement orientée vers Ratatouille, une autre production entourée d’anecdotes fascinantes sur les coulisses. Bird a expliqué comment il avait repris le projet de manière inattendue après avoir terminé Les Indestructibles, héritant de deux versions complètes du film sous forme de storyboards avant de réécrire pratiquement l’intégralité du scénario. Il a révélé que l’une de ses décisions les plus importantes en matière de casting avait consisté à convaincre Pixar d’engager Patton Oswalt pour prêter sa voix à Rémy, après avoir comparé les performances de l’acteur aux premières illustrations du personnage. De même, il a insisté sur le fait que Peter O’Toole était le seul acteur capable de donner vie à l’intimidant critique gastronomique Anton Ego, un choix qui allait finalement donner naissance à l’une des scènes les plus célèbres de l’histoire de Pixar. Bird a admis que la critique désormais emblématique d’Ego avait été réécrite à maintes reprises même pendant des vols et des séjours à l’hôtel  jusqu’à ce que chaque mot sonne de manière émotionnellement authentique, un processus soutenu par une suite orchestrale préliminaire composée par son collaborateur de longue date, Michael Giacchino.

Comment Ray Gunn a finalement vu le jour après trois décennies
 
Même si le public a pris plaisir à redécouvrir les précédents succès de Bird, tout le monde savait que le véritable clou de la soirée était « Ray Gunn », le retour tant attendu du cinéaste à l’animation. Après avoir passé des décennies au stade du développement, cette ambitieuse aventure de science-fiction néo-noire s’apprête enfin à sortir sur Netflix le 18 décembre. Décrivant le film comme «un mélange entre Buck Rogers et Le Faucon maltais», Bird a présenté au public un univers rétro-futuriste où les humains et les espèces extraterrestres coexistent dans une version alternative de l’année 1939. L’histoire suit le détective privé Raymond Gunn, doublé par Sam Rockwell, alors qu’il se retrouve mêlé à une affaire de meurtre impliquant l’énigmatique icône multimédia Venus Nova, incarnée par Scarlett Johansson. Le public du Hall H a eu le privilège de découvrir les sept premières minutes du film, offrant un aperçu exclusif de Metropia, une ville tentaculaire d’inspiration Art déco regorgeant de détails visuels extraordinaires et de séquences d’action dynamiques.

Cet aperçu exclusif a immédiatement démontré pourquoi Ray Gunn reste l’un des projets les plus chers au cœur de Brad Bird. S’ouvrant sur des plans panoramiques à couper le souffle de la métropole tentaculaire de Metropia, ces images plongent les spectateurs dans une version alternative de 1939 où les humains et d’innombrables espèces extraterrestres coexistent naturellement. Bird a décrit le concept comme « une rencontre entre Buck Rogers et Le Faucon maltais », et la comparaison s’est avérée remarquablement juste. L’extrait présente le détective privé Raymond Gunn, qui accepte ce qui semble être une enquête de routine sur un réseau illégal de trafic d’extraterrestres avant de se retrouver encerclé par des criminels extraterrestres hostiles. S’ensuit une séquence d’action spectaculaire, mettant en valeur le sens du mouvement, la mise en scène cinématographique et la narration visuelle caractéristiques de Bird, tandis que Gunn et sa fidèle compagne Eyera, doublée par Tom Waits, échappent de justesse à leurs assaillants. Bien qu’elle ne dure que sept minutes, cette séquence a permis d’établir un univers richement nuancé, peuplé d’une architecture rétro-futuriste, de créatures extraterrestres au design expressif et d’innombrables détails visuels qui ont immédiatement captivé le public du Hall H.

Évoquant la durée de développement inhabituellement longue du projet, Bird a établi une distinction importante qui résume parfaitement son parcours créatif. Contrairement à l’idée reçue selon laquelle il travaillait activement sur ce film depuis trente ans, le réalisateur a expliqué qu’il avait en réalité passé la majeure partie de ce temps à attendre simplement que quelqu’un accepte de le financer. Le scénario, les illustrations et les idées existaient depuis des décennies, mais l’opportunité de leur donner vie ne s’est concrétisée qu’après que le projet eut trouvé son port d’attache chez Netflix et Skydance Animation. Bird a exprimé sa profonde gratitude envers Netflix pour son soutien créatif, tout en révélant qu’il continuait à plaider en faveur d’une sortie en salles, ne serait-ce qu’à titre expérimental. Compte tenu du niveau extraordinaire de détails visuels concentrés dans chaque image, il estime que le public mérite de pouvoir découvrir Ray Gunn sur le plus grand écran possible, plutôt que de le voir exclusivement chez soi.

Construire l’univers de Ray Gunn : une narration visuelle à grande échelle
 
Cette extraordinaire attention portée aux détails est devenue l’un des thèmes récurrents de la soirée. Au cours de la discussion, Steven Weintraub a salué l’étonnante densité d’informations visuelles du film, plaisantant sur le fait que les spectateurs auraient constamment envie de mettre le film en pause simplement pour s’imprégner de tout ce qui se passe à l’arrière-plan. Bird a expliqué que, comme la quasi-totalité de l’histoire se déroule dans une seule ville, il a encouragé chaque département à imaginer un univers vivant complet s’étendant bien au-delà de ce qui apparaît à l’écran. Alors que le public se concentre naturellement sur les personnages principaux, il souhaitait que chaque rue, chaque bâtiment et chaque élément d’arrière-plan suggère d’innombrables histoires invisibles se déroulant simultanément. Selon Bird, la réussite de la construction d’un univers ne consiste pas à submerger les spectateurs d’informations, mais à créer l’illusion convaincante que la vie se poursuit au-delà du cadre de la caméra.

Michael Giacchino et Brad Bird : un partenariat créatif fondé sur l’histoire
 
L’identité émotionnelle du film tient autant à la musique qu’aux images, ce qui a fait de l’apparition surprise du compositeur oscarisé Michael Giacchino l’un des moments forts de la table ronde. Après s’être d’abord manifesté par le biais d’un message vidéo préenregistré, Michael Giacchino est monté sur la scène du Hall H, pour le plus grand plaisir de Brad Bird et du public, tout en partageant des souvenirs de leur collaboration longue de plusieurs décennies. Le compositeur a révélé qu’il avait entendu parler de Ray Gunn pour la première fois en 2003, pendant la production des Indestructibles, bien avant que quiconque n’imagine que le film entrerait finalement en production. Depuis lors, l’histoire a discrètement occupé une place dans son imagination, permettant aux idées de mûrir naturellement au fil des années. Plutôt que d’aborder Ray Gunn comme un polar traditionnel, Giacchino a expliqué que sa bande originale se concentrait entièrement sur la compréhension du personnage de Raymond Gunn. Chaque thème musical est né de questions émotionnelles sur l’identité de Ray, ses désirs et ce qui continue de le hanter, donnant naissance à une bande originale qui mêle des influences du film noir classique, des textures de science-fiction, des éléments subtils de jazz et des thèmes émotionnels profondément personnels, sans jamais ressembler à la musique emblématique qu’il avait précédemment composée pour Les Indestructibles.

Bird a confirmé que cette philosophie, qui privilégie avant tout l’histoire, définit chaque aspect de sa collaboration avec Giacchino. Au lieu de discuter de l’orchestration ou des références musicales en termes techniques, les deux hommes consacrent la majeure partie de leurs échanges créatifs à parler des personnages, de leurs motivations et de la structure narrative. La musique émerge naturellement de ces discussions plutôt que d’être traitée comme une discipline artistique isolée. Bird a également salué l’instinct de conteur de Giacchino, soulignant que certaines des contributions les plus précieuses du compositeur proviennent des discussions sur le scénario plutôt que de suggestions musicales.

Les Indestructibles 3 officiellement lancé
 
Bien que Ray Gunn ait dominé une grande partie de la conversation, le Hall H était tout aussi impatient d’avoir des nouvelles concernant une autre suite très attendue. Bird a officiellement confirmé qu’il participait activement à l’écriture et à la coproduction des Indestructibles 3, tandis que Peter Sohn, artiste et cinéaste de longue date chez Pixar, qui avait précédemment prêté sa voix à Émile dans Ratatouille, prendra les rênes de la réalisation. Bird a exprimé sa totale confiance dans les capacités de Sohn, le décrivant comme l’un des artistes les plus talentueux avec lesquels il ait travaillé depuis l’époque du Géant de fer. Malgré les tentatives répétées de Michael Giacchino et de Steven Weintraub pour obtenir davantage de détails sur l’intrigue, Bird est resté discret, comme à son habitude, se contentant de révéler qu’il restait profondément impliqué dans l’élaboration du scénario tout en laissant Sohn apporter sa propre vision à la production. Giacchino s’est proposé en plaisantant de composer la bande originale avant que Bird ne suggère avec humour que « le fantôme de Jerry Goldsmith » avait déjà été engagé, provoquant l’hilarité générale dans le Hall H.

La conversation a également mis en lumière la loyauté remarquable de Bird envers les artistes qui l’ont accompagné tout au long de sa carrière. Évoquant la production de Ray Gunn, il a souligné le nombre de collaborateurs de longue date qui étaient de retour, notamment des storyboarders, des designers et des animateurs chevronnés ayant déjà contribué à Le Géant de fer, Les Indestructibles et Ratatouille. Beaucoup sont depuis devenus réalisateurs à leur tour, mais ont néanmoins accepté avec enthousiasme de réaliser le storyboard de séquences individuelles, simplement pour avoir la chance de travailler à nouveau aux côtés de Bird. Selon Giacchino, ce dévouement découle directement de la réputation de Bird, considéré comme l’un des plus grands leaders créatifs de l’industrie. Chaque fois que Bird se lance dans un nouveau film, des artistes talentueux souhaitent naturellement le suivre, car ils ont confiance à la fois en sa vision et en l’environnement collaboratif qu’il crée.

Retour sur l’adaptation tant attendue de 1906
 
La table ronde a également offert un aperçu fascinant de l’une des ambitions les plus anciennes et inassouvies de Brad Bird : 1906, son adaptation du roman historique de James Dalessandro sur le tremblement de terre dévastateur de San Francisco et les incendies catastrophiques qui ont suivi. Ce projet a souvent fait l’objet de spéculations au fil des ans, de nombreux articles suggérant que des budgets excessifs ou des désaccords avec le studio étaient à l’origine de son abandon. Bird a fermement réfuté ces rumeurs, expliquant que le film n’avait même jamais atteint le stade où les négociations budgétaires devenaient un problème. Au contraire, le véritable défi venait de l’ampleur même de la matière historique elle-même. Chaque fois qu’il menait des recherches supplémentaires, il découvrait des histoires vraies extraordinaires qui méritaient d’être incluses, rendant de plus en plus impossible de condenser le récit dans un long-métrage traditionnel. Comparant le processus créatif au gonflage d’une montgolfière, Bird a expliqué que chaque détail historique fascinant alourdissait le projet jusqu’à ce que celui-ci ne puisse plus décoller. Abandonner des idées devenait émotionnellement douloureux, car chacune semblait essentielle.

Plutôt que d’abandonner complètement l’histoire, Bird estime désormais que 1906 se prêterait mieux à une série télévisée en plusieurs épisodes. Répondant à une question posée par vidéo par Patton Oswalt, qui avait également glissé en plaisantant une demande pour Ratatouille 2, Bird a confirmé qu’il avait sérieusement envisagé d’étendre le projet en une mini-série de huit épisodes. Un tel format, a-t-il expliqué, lui permettrait enfin de trouver un équilibre entre l’ampleur épique de la catastrophe et les histoires humaines intimes qui se sont déroulées au cours de l’un des chapitres les plus sombres de l’histoire de San Francisco. Bird a décrit la combinaison du séisme lui-même et des tempêtes de feu dévastatrices qui ont suivi comme l’un des plus grands spectacles cinématographiques de l’histoire, soulignant que des tornades de feu d’une force comparable à celle d’un ouragan avaient balayé des quartiers entiers, créant un spectacle visuel presque inimaginable. Même après des décennies de contretemps dans le développement du projet, son enthousiasme à l’idée de présenter cette histoire au public reste indéniablement fort.

Leçons tirées des Simpson et de Mission : Impossible – Protocole Fantôme
 
La passion de Bird pour la narration s’étendait au-delà de ses propres productions, comme en témoignent ses réflexions sur les expériences qui l’ont façonné en tant que cinéaste. Il est revenu sur ses années passées à travailler sur Les Simpson, expliquant comment le rythme effréné de la production télévisée lui avait appris à prendre rapidement des décisions créatives sans sacrifier la qualité. Il a reconnu que cet environnement l’avait préparé au rythme intense de l’animation de longs métrages, où chaque décision artistique a des répercussions sur d’innombrables départements. Plus tard, en évoquant Mission : Impossible – Protocole Fantôme, Bird a évoqué avec émotion l’extraordinaire collaboration avec Tom Cruise, se souvenant de l’engagement intrépide de l’acteur dans la réalisation de cascades réelles au sommet du Burj Khalifa à Dubaï. Bird a admis qu’il y avait eu des moments pendant le tournage où il avait sincèrement craint pour la sécurité de Cruise, se réveillant au milieu de la nuit pour se rappeler que son acteur principal était suspendu à des centaines de mètres au-dessus du sol, en train d’exécuter l’une des cascades réelles les plus ambitieuses du cinéma. Pourtant, il a également ri de l’ironie du fait que Cruise lui-même, en tant que producteur, était souvent celui qui insistait pour que ces séquences dangereuses soient tournées.

Un autre moment mémorable a été lorsque Bird a décrit les origines étonnamment cinématographiques de son instinct de cinéaste. Bien avant d’avoir accès à des caméras ou à du matériel d’animation, il dessinait déjà des illustrations séquentielles rudimentaires destinées à être visionnées dans un ordre précis, créant sans le savoir des storyboards dès son enfance. Il a rendu hommage à ses parents pour avoir encouragé cette curiosité créative en l’emmenant régulièrement au cinéma et en discutant des films après la séance, l’exposant dès son plus jeune âge à des réalisateurs tels qu’Alfred Hitchcock et l’aidant à comprendre que la réalisation cinématographique pouvait devenir un métier à part entière. Le fait de voir Le Livre de la jungle de Disney à l’âge de onze ans s’est avéré particulièrement déterminant : cela l’a incité à se lancer dans l’animation après avoir réalisé que des artistes étaient réellement payés pour imaginer comment des personnages comme Bagheera devaient bouger et se comporter. Cette fascination enfantine pour le langage cinématographique continue de façonner chaque projet qu’il entreprend, qu’il s’agisse d’animation ou de prises de vues réelles.

Quelle est la prochaine étape pour Brad Bird après Ray Gunn ?
 
Alors que la discussion touchait à sa fin, Bird a brièvement évoqué un autre projet mystérieux actuellement en développement. Tout en refusant de révéler des détails précis, il a confirmé que son prochain film en tant que réalisateur après Ray Gunn allierait prises de vues réelles et animation, laissant entrevoir une nouvelle rupture ambitieuse par rapport à ses œuvres précédentes. Au-delà de cela, cependant, le cinéaste est resté délibérément discret, préférant que le public se concentre sur les projets qui se concrétisent enfin après des années d’attente.

S’il y a un message qui ressort de Brad Bird : My Cinematic Journey, c’est bien que la patience, la curiosité et la conviction créative ont marqué chaque étape de la remarquable carrière de Bird. De l’échec commercial du Géant de fer au succès oscarisé des Indestructibles et de Ratatouille, de son entrée triomphale dans le cinéma en prises de vues réelles avec Mission : Impossible – Protocole Fantôme à la lutte de plusieurs décennies pour porter Ray Gunn à l’écran, Bird a toujours refusé de transiger sur les histoires auxquelles il croit. Cet engagement inébranlable transparaissait dans chaque réponse, chaque anecdote et chaque rire partagé avec le public du Hall H.

Les images exclusives de Ray Gunn ont démontré que l’attente en valait sans doute la peine. Alliant une construction d’univers à couper le souffle, une animation expressive, une narration d’inspiration film noir et un cœur émotionnel soutenu par la musique inimitable de Michael Giacchino, le film semble d’ores et déjà ne ressembler à rien de ce qui se produit actuellement dans le domaine de l’animation. Parallèlement, l’implication continue de Brad Bird dans Les Indestructibles 3, son optimisme renouvelé concernant 1906 et ses allusions à de futurs projets en prises de vues réelles montrent clairement que l’un des plus grands conteurs du cinéma n’a pas l’intention de lever le pied. Pour les fans présents au Comic-Con de San Diego 2026, cette table ronde n’était pas seulement une célébration d’une carrière extraordinaire : elle a rappelé que Brad Bird reste aujourd’hui aussi ambitieux, inventif et passionnément dévoué à la narration qu’il l’était lorsqu’il a commencé à explorer les possibilités de l’animation il y a plus d’un demi-siècle.

Pourquoi Brad Bird reste l’un des plus grands visionnaires de l’animation
 
Si le Comic-Con de San Diego 2026 a prouvé une chose, c’est que Brad Bird reste l’une des voix créatives les plus influentes du secteur non pas en raison du nombre de films qu’il a réalisés, mais grâce aux exigences sans compromis qu’il applique à chaque projet. Tout au long de la table ronde, Bird est revenu à plusieurs reprises sur la même philosophie qui guide sa carrière depuis l’époque où il étudiait auprès de la légende de Disney, Milt Kahl : ne jamais cesser d’explorer les possibilités. Cet état d’esprit lui a permis de passer sans heurts de l’animation dessinée à la 3D, de Pixar au cinéma de prise de vues réelles, et aujourd’hui de revenir à un ambitieux film d’animation noir qui ne ressemble à rien de ce qui est actuellement en production.

Cela explique également pourquoi sa filmographie reste remarquablement sélective. Contrairement à de nombreux cinéastes contemporains, Bird n’a jamais privilégié la quantité. Au contraire, chaque projet a nécessité des années parfois des décennies de développement, de perfectionnement et de persévérance avant d’atteindre le public. Qu’il s’agisse de Le Géant de fer, Les Indestructibles, Ratatouille, Mission : Impossible – Protocole Fantôme ou Ray Gunn, Bird a toujours insisté sur le fait que ce sont les histoires qui dictent la technologie, et non l’inverse. Pour lui, l’animation n’est pas un genre destiné uniquement aux enfants, mais un langage cinématographique capable d’offrir des expériences émotionnelles, dramatiques et visuellement spectaculaires à un public de tous âges.

Cette philosophie se reflète clairement dans Ray Gunn. Au-delà de son esthétique saisissante d’inspiration Art déco, de son univers rétro-futuriste et de son récit policier noir, le film représente l’aboutissement d’une idée que Bird porte en lui depuis plus de trente ans. Son mélange de science-fiction, de mystère, d’action et de drame personnel profond semble conçu pour être apprécié à plusieurs visionnages, chaque image regorgeant d’informations visuelles et de détails narratifs. Associé à la bande originale de Michael Giacchino et à une distribution vocale menée par Sam Rockwell, Scarlett Johansson et Tom Waits, le film s’impose d’ores et déjà comme l’une des productions les plus ambitieuses de Netflix Animation à ce jour. L’espoir constant de Bird de voir le film sortir également en salles reflète sa conviction que son ampleur visuelle mérite d’être appréciée sur le plus grand écran possible.

Les fans ont également quitté le Hall H rassurés de savoir que Les Indestructibles 3 reste entre d’excellentes mains. Si Peter Sohn réalisera la suite, l’implication active de Bird en tant que co-scénariste et co-producteur garantit que l’ADN créatif de la franchise de super-héros tant appréciée de Pixar restera intact. Son refus de révéler des détails sur l’intrigue n’a fait qu’attiser l’anticipation, renforçant l’impression que Pixar prend son temps pour développer un nouveau chapitre à la hauteur plutôt que de précipiter une suite pour satisfaire la demande du public.

Mais la révélation la plus passionnante a sans doute été la confirmation par Bird qu’il savait déjà ce qu’il souhaitait réaliser après Ray Gunn. Bien qu’il soit resté délibérément vague, ne dévoilant que le fait que le projet allie prises de vues réelles et animation, cette annonce suggère que sa curiosité créative continue d’évoluer plutôt que de revisiter des territoires familiers. Combinée à son intérêt renouvelé pour l’adaptation de 1906 en une série limitée de huit épisodes, la future filmographie de Bird montre un cinéaste toujours désireux de se lancer des défis, tant à lui-même qu’au public.

Lorsque le Hall H a éclaté en applaudissements à la fin de « Brad Bird : My Cinematic Journey », le sentiment était indéniable. Il ne s’agissait pas simplement d’une célébration nostalgique des succès passés, mais d’un rappel que l’un des plus grands conteurs d’Hollywood entame un nouveau chapitre passionnant de sa carrière. Plus de trente ans après avoir imaginé pour la première fois Ray Gunn, Brad Bird semble enfin prêt à partager l’une de ses créations les plus personnelles avec le monde entier. À en juger par la réaction enthousiaste des participants au Comic-Con, cette attente pourrait bien avoir donné naissance à quelque chose de vraiment spécial.

Avec la sortie de Ray Gunn prévue sur Netflix le 18 décembre, « Les Indestructibles 3 » qui avance à grands pas dans sa phase de développement, et de nouveaux projets créatifs déjà à l’horizon, Brad Bird continue de démontrer que la grande narration ne connaît aucune frontière artistique. Pour les fans d’animation et les cinéphiles en général , son passage dans le Hall H a été à la fois la célébration d’un héritage extraordinaire et un aperçu passionnant de ce qui nous attend.

Filmographie :
1999 - Le Géant de fer
2004 - Les Indestructibles
2007 - Ratatouille
2011 - Mission : Impossible – Protocole Fantôme
2015 - Tomorrowland
2018 - Les Indestructibles 2
2026 - Ray Gunn

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Photos et vidéo 4K :  Boris Colletier / Mulderville