Good Luck Have Fun Don't Die

Il y a quelque chose de presque perversement rafraîchissant à voir Gore Verbinski faire son retour au cinéma avec un film aussi indiscipliné, aussi provocateur et aussi déterminé à cracher au visage du divertissement algorithmique lisse et aseptisé. Good Luck, Have Fun, Don’t Die s’ouvre sur un postulat qui ressemble à une blague racontée par un accro à la science-fiction après avoir bu trop de café : un homme sans nom venu du futur, incarné avec un désespoir sauvage par Sam Rockwell, fait irruption dans un restaurant de Los Angeles et annonce que le monde touche à sa fin parce que l’humanité s’est livrée aux écrans, à la distraction et à l’intelligence artificielle. Pourtant, le film révèle rapidement que ce chaos n’est pas une provocation vide de sens. Ce qui fait le succès de cette ouverture, c’est la façon dont Gore Verbinski la met en scène comme une collision entre un sermon apocalyptique, une comédie noire et une étude de personnages déjantés. Les clients le fixent, mi-ennuyés, mi-agacés, plus offensés par l’interruption de leur défilement que par la menace d’extinction, et cette blague donne le ton de tout le film : la fin du monde n’est plus un événement dramatique, mais simplement une notification de plus qui rivalise pour attirer notre attention. C’est une introduction sauvage, drôle et légèrement déprimante, et même lorsque le film perd ensuite de sa cohérence, il ne perd jamais tout à fait cette piqûre initiale. On sent que Gore Verbinski réalise un film par frustration, et non pour suivre une tendance ; ce n’est pas un avertissement lisse des studios sur l’IA, mais une crise de panique bruyante, laide et étrangement émouvante sur une société qui a confondu commodité et sens.

Ce ton s’effondrerait instantanément sans Sam Rockwell, et le film le sait. Il n’incarne pas un héros d’action conventionnel, ni même un messager de science-fiction excentrique au sens classique du terme, mais quelque chose de bien plus instable et captivant : un homme qui a répété la même mission tant de fois que l’urgence, l’épuisement, le mépris et l’espoir se sont fondus en une seule personnalité agitée. Sam Rockwell donne au rôle un rythme saccadé qui maintient le personnage en suspension entre le prophète, l’escroc, le survivant traumatisé et l’excentrique profondément agaçant, et c’est exactement pour cela que cela fonctionne. Un autre acteur aurait peut-être poussé l’interprétation vers une parodie stridente ou un mélodrame trop sérieux, mais Sam Rockwell donne à ce voyageur temporel sans nom l’air du dernier être humain encore capable d’embarras, de panique et de colère morale dans un monde qui s’est engourdi jusqu’à la capitulation passive. Il y a aussi une contradiction inspirée à voir un interprète aussi naturellement magnétique incarner un personnage qui a souvent l’air ridicule, parle trop et traite ses alliés potentiels avec une impatience surprenante. Cette contradiction devient le moteur émotionnel du film. Il a besoin des gens, mais il ne croit presque plus en eux. Il tente de sauver l’humanité tout en donnant l’impression de l’avoir déjà jugée coupable. Entre les mains d’un autre cinéaste, cela aurait pu se transformer en une diatribe creuse du type « les téléphones, c’est mal », mais Sam Rockwell insuffle suffisamment de douleur et d’absurdité dans chaque éclat pour que l’hystérie du film semble authentique plutôt que fabriquée.

L’ensemble des acteurs qui l’entourent est moins bien servi, mais plusieurs performances marquent tout de même les esprits car le scénario, malgré tous ses excès, comprend que la technologie ne devient effrayante que lorsqu’elle envahit les blessures intimes de l’humain. Juno Temple en est l’exemple le plus flagrant. Son personnage, Susan, n’est pas simplement une mère en deuil plongée dans une intrigue de science-fiction ; elle incarne un monde si moralement brisé que le deuil lui-même est devenu une opportunité commerciale. Son histoire, qui traite de la marchandisation grotesque du deuil, est sans conteste le fil conducteur le plus sombre et le plus obsédant du film, et Juno Temple l’interprète avec une incrédulité tremblante qui empêche la satire de tomber dans la facilité. Haley Lu Richardson, quant à elle, confère à Ingrid une sincérité meurtrie dont le film a désespérément besoin. Le personnage aurait pu apparaître comme une esquisse dystopique excentrique mais Haley Lu Richardson l’ancre dans la douleur plutôt que dans la fantaisie. Elle apporte au film l’une de ses rares touches émotionnelles véritablement tendres, d’autant plus que l’histoire commence à suggérer que la résistance au confort synthétique n’a rien d’héroïque au sens glamour du terme, mais qu’elle est solitaire, humiliante et épuisante. Michael Peña et Zazie Beetz sont convaincants dans le rôle d’éducateurs voyant les jeunes sombrer dans un automatisme nourri par les écrans, même si leur personnage semble plus schématique que pleinement développé, tandis que des interprètes tels que Asim Chaudhry, Daniel Barnett, Georgia Goodman, Dominique Maher, Tom Taylor, Artie Wilkinson-Hunt et Cassiel Eatock-Winnik contribuent tous à donner l’impression que ce monde regorge de victimes de la séduction technologique, même si le film ne parvient pas à leur accorder à tous une place égale.

Ce qui frappe le plus dans ce film, cependant, ce n’est pas simplement sa position anti-IA, mais la laideur spécifique de son imagination. Le scénario de Matthew Robinson n’envisage pas l’intelligence artificielle comme une prise de pouvoir élégante des machines, dans le moule classique de la logique cauchemardesque de James Cameron, ni comme la toute-puissance numérique cool des nombreux imitateurs post-Matrix. Au contraire, il imagine l’effondrement comme quelque chose de kitsch, de pathétique, de compulsif et d’optimisé sur le plan commercial. C’est là l’idée la meilleure et la plus intelligente du film. L’apocalypse n’arrive pas ici avec grandeur ; elle arrive déguisée en confort, en personnalisation, en commodité, en ludification, en stimulation sans fin et en externalisation émotionnelle. En ce sens, le désordre du film fait presque partie intégrante de sa méthode. La structure ne cesse d’interrompre l’élan narratif par des flashbacks qui ressemblent souvent à des mini-fables dystopiques, et certes, cette approche épisodique peut nuire à la dynamique de la mission centrale, mais elle révèle aussi un cinéaste et un scénariste qui tentent de répertorier chaque recoin de la pourriture culturelle qui passe désormais pour la vie normale. Par moments, cela produit des séquences vraiment percutantes, surtout lorsque la satire aborde des thèmes comme l’éducation, le deuil, l’évasion virtuelle et l’engourdissement social. À d’autres moments, cela devient grossier, répétitif ou trop satisfait de sa propre amertume. Le film confond parfois accusation et profondeur, et certaines de ses observations sur la culture des jeunes et l’addiction aux appareils sont plus générales qu’elles ne devraient l’être. Mais même là, il y a quelque chose de revigorant dans le peu de souci qu’il se fait de paraître à la mode. À une époque où tant de films de genre sont conçus pour sembler sans heurts, Gore Verbinski semble presque déterminé à laisser des échardes dans les mains du public.

Ce même refus de la finition est également à l’origine des faiblesses les plus évidentes du film. Avec plus de deux heures, Good Luck, Have Fun, Don’t Die s’éternise indéniablement, et la seconde moitié en particulier commence à souffrir sous le poids du nombre d’idées, de revirements de ton, de décors grotesques et de digressions sur la construction de l’univers qu’il tente de jongler. Il y a des moments où le film ressemble moins à un récit soigneusement calibré qu’à un brainstorming désespéré projeté directement à l’écran, et toutes les images bizarres ou les escalades dramatiques ne trouvent pas leur place. Certaines séquences d’action semblent s’étirer en longueur, certaines inventions visuelles flirtent avec le ridicule sans offrir de récompense suffisante, et plus d’une intrigue secondaire donne l’impression d’être la matière première d’un film distinct, plus incisif et plus dévastateur. Pourtant, rejeter cet excès reviendrait à ignorer ce qui rend le film mémorable. Gore Verbinski a toujours été un cinéaste attiré par les images élastiques, l’instabilité tonale et les séquences oscillant entre spectacle et cauchemar fiévreux, et ce film, peut-être plus ouvertement que tout ce qu’il a réalisé ces dernières années, donne l’impression d’être l’œuvre d’un réalisateur utilisant le genre pour exprimer son dégoût, son anxiété et son véritable deuil face à un sens de la réalité qui s’amenuise. C’est pourquoi même les passages les plus faibles restent intéressants. Le film est peut-être surchargé, mais il n’est jamais vide. Il est peut-être brut, mais il n’est pas artificiel. Il vacille peut-être, mais il ne donne jamais l’impression d’être fabriqué. D’une manière étrange, les imperfections très humaines du film deviennent son argument le plus fort contre la fausseté lisse qu’il attaque.

Good Luck, Have Fun, Don’t Die n’est pas un retour sans faille pour Gore Verbinski, mais c’est un retour farouchement vivant, et c’est ce qui compte. C’est un film qui bondit, trébuche, fulmine, va trop loin, surprend et, parfois, touche quelque chose de véritablement obsédant. Sa vision de l’IA porte moins sur des logiciels tueurs que sur la paresse spirituelle qui pousse les gens à céder leur mémoire, leur chagrin, leur attention, leur intimité et même leur imagination à des systèmes conçus pour imiter la vie tout en la vidant de sa substance. Ce thème confère au film sa force persistante, d’autant plus que Sam Rockwell, Juno Temple et Haley Lu Richardson ne cessent de dénicher des fragments d’humanité meurtrie au milieu de tout ce vacarme. Pour chaque scène qui semble trop longue ou trop désireuse d’enfoncer le clou, il y en a une autre qui vous rappelle à quel point il est devenu rare de voir un film de genre américain issu d’un studio aussi en colère, aussi étrange et aussi prêt à risquer le ridicule pour dire quelque chose de sincère. Il ne réinvente pas la science-fiction dystopique, et il ne maîtrise certainement pas toujours ses propres ambitions, mais il a du cran, de la personnalité et ce genre de conviction déchiquetée qu’on ne peut pas simuler.

Good Luck, Have Fun, Don't Die
Réalisé par Gore Verbinski
Écrit par Matthew Robinson
Produit par Gore Verbinski, Robert Kulzer, Erwin Stoff, Oly Obst, Denise Chamian
Avec Sam Rockwell, Haley Lu Richardson, Michael Peña, Zazie Beetz, Asim Chaudhry, Juno Temple
Directeur de la photographie : James Whitaker
Montage : Craig Wood
Musique : Geoff Zanelli
Sociétés de production : Constantin Film, Blind Wink Productions, 3 Arts Entertainment
Distribution : Briarcliff Entertainment (États-Unis), Metropolitan FilmExport (France)
Dates de sortie : 24 septembre 2025 (Fantastic Fest), 13 février 2026 (États-Unis), 15 avril 2026 (France)
Durée : 134 minutes

Vu le 15 mars 2026 (VOD)

Note de Mulder: