Le Testament d'Ann Lee

Il y a des films qui reconstituent l'histoire, et puis il y a ceux qui tentent de la faire revivre, de lui redonner vie, de la faire transpirer, trembler, voire chanter à nouveau. The Testament of Ann Lee appartient clairement à cette deuxième catégorie : une épopée religieuse résolument étrange, parfois bouleversante, souvent exaltante, qui aborde la foi d'une manière que la plupart des films évitent, c'est-à-dire de près, sans sourire narquois, sans prendre la distance confortable qui consiste à se dire ces gens sont bizarres, non ? . Mona Fastvold ne traite pas les Shakers comme une étiquette de musée ou une blague sur le mobilier minimaliste ; elle les traite comme des êtres humains qui s'accrochent à quelque chose qui les maintient en vie. Il en ressort une comédie musicale où le corps devient l'instrument, où la dévotion résonne comme un souffle, des battements de pieds et un élan collectif, et où l'extase devient son propre langage.

Au centre de tout cela se trouve Amanda Seyfried, qui offre une performance magistrale qui ne se contente pas de porter le film, mais qui le hante. Elle incarne Ann Lee avec une authenticité qui ne vire jamais à la vanité et une conviction qui ne sombre jamais dans la caricature, même lorsque l'histoire flirte avec la fine ligne qui sépare le prophète du chef de secte. Le film laisse judicieusement place à l'ambiguïté : la question Est-elle touchée par Dieu ou brisée par la vie ? plane sur chaque chapitre, et Amanda Seyfried ne nous donne pas la réponse, elle l'incarne. Son physique est crucial ; elle peut se mouvoir avec une liberté sauvage, puis revenir à un calme presque terrifiant, et ce contraste rend le personnage à la fois saint et obstinément humain. Les accouchements répétés et les pertes répétées ne sont pas utilisés comme un combustible tragique bon marché ; ils semblent être le noyau en fusion autour duquel sa doctrine se durcit, et il est difficile de ne pas interpréter son évangile du célibat comme une tentative de reprendre le contrôle dans un monde où le corps des femmes est traité comme un bien public.

Sur le plan formel, Mona Fastvold et le co-scénariste Brady Corbet construisent le film comme un véritable testament » au sens littéral du terme : chapitré, narré, mythique et parfois exaspérant dans son refus de tout lisser pour le public. La narration (guidée par Thomasin McKenzie) donne à l'histoire une structure de conte, mais les images et le son tentent sans cesse de s'échapper de cette structure, comme l'histoire elle-même se rebellant contre le fait d'être résumée de manière ordonnée. Visuellement, le film est d'une densité tactile filmé avec une rigueur picturale qui donne à certains plans l'impression d'être éclairés de l'intérieur, le clair-obscur faisant la moitié du travail émotionnel avant que quiconque ne parle. C'est le genre de film d'époque qui ne veut pas que le passé soit accessible ; il veut qu'il soit autre, étranger et intense, régi par des lois différentes, et c'est exactement pour cela qu'il fonctionne lorsque le culte se transforme en spectacle physique.

C'est dans ce spectacle que le film devient quelque chose que l'on ne regarde pas tant que l'on endure et auquel on s'abandonne. La chorégraphie de Celia Rowlson-Hall n'est pas décorative, c'est de la théologie. Les corps se soulevent, les mains battent la poitrine, les bras se tendent vers le haut comme pour essayer de rapprocher le ciel, et le résultat est hypnotique, parfois effrayant et étrangement transportant. Il y a une tension constante dans le langage gestuel du film : les Shakers interdisent le sexe, mais le culte est chargé d'un désir sublimé, comme si le corps essayait de parler la seule langue qu'on lui a ordonné d'oublier. C'est là que le film devient véritablement provocateur : la dévotion comme purification et déplacement, l'extase comme liberté et contrainte. C'est également là que le travail de Daniel Blumberg prend tout son sens : les hymnes et les textures chorales ne cherchent pas à imiter les mélodies entraînantes de Broadway, mais plutôt à créer une transe, en répétant les phrases jusqu'à ce qu'elles deviennent des battements de cœur ; et lorsqu'une touche de modernité vient trancher la partition, cela peut être perçu comme une rupture délibérée, nous rappelant qu'il ne s'agit pas d'une reconstitution figée, mais d'une confrontation avec le temps.

Les seconds rôles offrent au film un monde contre lequel se battre, ce qui est important car le film est autant obsédé par la communauté que par son personnage central. Lewis Pullman apporte une loyauté terre-à-terre en tant que frère, une présence qui donne l'impression que la foi s'est transformée en force physique : solidaire, inébranlable et discrètement chargée de sacrifice. Christopher Abbott est parfait dans le rôle du mari dont le visage seul suffit à communiquer la comédie la plus sombre du film : l'horreur naissante de réaliser que la femme qu'il a épousée a construit une théologie dans laquelle il est, spirituellement parlant, le problème. Cette friction est l'un des éléments les plus marquants du film, car il ne s'agit pas seulement d'un conflit conjugal, mais d'une idéologie qui se heurte à l'appétit, et le film refuse de faciliter les choses pour l'un ou l'autre camp. Par ailleurs, l'arc narratif plus large de l'Angleterre à l'Amérique, de la suspicion à la persécution, de l'utopie au contrecoup fait écho à la fascination constante des créateurs pour l'ambition et le coût de la construction d'un monde à l'intérieur d'un monde hostile, mais filtrée à travers un type de monument très différent : non pas l'architecture, mais la croyance.

Ce film mettre l’endurance du spectateur à l'épreuve. La première partie est très dynamique : la musique arrive comme une éruption, les scènes de culte sont électrisantes, la brutalité historique est viscérale. Puis, une fois que la communauté arrive sur le sol américain, le récit peut commencer à sembler plus maniéré et répétitif, comme si la structure se resserrait dans le même ordre qu'Ann Lee tente d'imposer au chaos. Cela peut être en partie intentionnel, mais l'intention n'est pas toujours synonyme d'élan, et il y a des passages où le film admire son propre art un peu plus longtemps que nécessaire. Pourtant, même lorsqu'il ralentit, il ne devient jamais complaisant : le respect témoigné à ses croyants est réel, les images restent frappantes, et l'ensemble du projet possède cette rare qualité ambitieuse qui nous permet de sentir que les cinéastes misent leur réputation sur l'idée que le public peut accepter quelque chose d'étrange, de rigoureux et de spirituellement ambigu.

Au final, ce qui ressort le plus dans The Testament of Ann Lee, c'est qu'il ne nous demande pas de rejoindre les Shakers, mais de prendre leur vie intérieure au sérieux. Il trouve de la joie dans les croyances les plus étranges sans transformer cette joie en plaisanterie, et il identifie les besoins humains qui se cachent derrière la doctrine : le chagrin, l'action, le désir, la communauté, le désir désespéré de mettre de l'ordre dans un monde en feu. Ce n'est pas un film parfait, et sa dérive dans la seconde moitié peut laisser certains spectateurs épuisés plutôt qu'exaltés, mais en tant qu'œuvre cinématographique le film est singulier, courageux et inoubliable.

Le Testament d'Ann Lee (The Testament of Ann Lee)
Réalisé par Mona Fastvold
Écrit par Mona Fastvold, Brady Corbet
Produit par Andrew Morrison, Joshua Horsfield, Viktória Petrányi, Mona Fastvold, Brady Corbet, Gregory Jankilevitsch, Klaudia Śmieja-Rostworowska, Lillian LaSalle, Mark Lampert
Avec Amanda Seyfried, Thomasin McKenzie, Lewis Pullman, Stacy Martin, Tim Blake Nelson, Christopher Abbott
Directeur de la photographie : William Rexer
Montage : Sofía Subercaseaux
Musique : Daniel Blumberg
Sociétés de production : Annapurna Pictures, Kaplan Morrison, Intake Films, Mid March Media, FirstGen
Mizzel Media, Yintai Entertainment, ArtClass Films, Carte Blanche, Parable
Distribution : Searchlight Pictures (United States), The Walt Disney Company France (France)
Dates de sortie : 1er septembre 2025 (Venise), 25 décembre 2025 (États-Unis), 11 mars 2026 (France)
Durée : 137 minutes

Vu le 21 janvier 2026 au siège de The Walt Disney Company

Note de Mulder: