Scarlet et l'éternité

Avec le film Scarlet et l'éternité (Scarlet), Mamoru Hosoda s'attaque à Hamlet de William Shakespeare avec un postulat qui ressemble à un défi : le prince devient une princesse danoise aux cheveux roses, elle échoue dans sa vengeance, meurt, et la véritable histoire commence dans l'au-delà. Dès le début, lorsque Scarlet erre dans un désert limbo sous un ciel qui bouge comme un océan noir, avec un dragon colossal flottant au-dessus de sa tête, des lames enfoncées dans son corps, le film s'annonce comme une odyssée métaphysique de vengeance plutôt que comme une simple adaptation de Shakespeare. Nous reconstituons progressivement la vie de cette jeune princesse qui vivait au XVIe siècle au Danemark, adorée par son père, le roi Amleth, et discrètement mise à l'écart par sa mère, Gertrude, jusqu'à ce que son oncle, Claudius, orchestre un coup d'État, qualifie le roi Amleth de traître et mette en scène son exécution comme un spectacle public. La question centrale qui traverse alors le film est d'une simplicité désarmante : si votre identité repose entièrement sur la vengeance, que reste-t-il de vous une fois que la mort est déjà survenue et que la vengeance est toujours la seule chose à laquelle vous pouvez penser ?

Visuellement, Scarlet et l'éternité (Scarlet) est clairement l'œuvre de Mamoru Hosoda, mais on a aussi l'impression qu'il a délibérément brûlé ses ponts avec sa zone de confort. L'esthétique hybride, à mi-chemin entre le travail classique sur les personnages en 2D et la composition numérique intensive, donne lieu à des tableaux véritablement époustouflants : des armées de différentes époques s'étendant à l'horizon dans l'Autre Monde, des caravanes d'âmes traversant des dunes couleur rouille, le dragon émergeant des nuages d'orage comme s'il était la conscience même du ciel. Sur grand écran, l'échelle évoque les épopées en prises de vues réelles. En même temps, cette ambition révèle ses propres limites : chaque fois que le film revient à des flashbacks purement dessinés à la main de la vie à la cour, il y a une chaleur et une fluidité qui surpassent discrètement les images de synthèse, et à plusieurs moments où des visages plats se superposent à des arrière-plans presque photoréalistes, la disjonction vous fait sortir du drame. Comparé aux univers plus cohérents de Summer Wars, Wolf Children, The Boy and the Beast, Mirai ou Belle, Scarlet semble à la fois plus expérimental et plus inégal : un réalisateur qui recherche sans relâche un nouveau langage visuel, sans toujours le trouver, mais qui parvient parfois à créer des images qui restent gravées dans votre mémoire longtemps après le générique.

Sur le plan narratif, le premier acte au Danemark est la partie la plus précise et la plus maîtrisée émotionnellement du film. La relation entre Scarlet et le roi Amleth, doublé avec une douce gravité par Masachika Ichimura, est esquissée avec des raccourcis familiers mais efficaces : des promenades tranquilles dans des couloirs scintillants, un père qui préfère enseigner à sa fille le compromis plutôt que la gloire de la guerre. Lorsque Claudius, interprété par Koji Yakusho, se retourne contre lui, Scarlet troque le poison silencieux de Hamlet contre un meurtre brutal et public : les gardes royaux traînant le roi Amleth dans la cour, la foule qui le huait, et Scarlet qui observe depuis un balcon alors qu'il prononce ses derniers mots inaudibles avant que la hache ne tombe. L'une des images les plus puissantes du début du film est le moment où elle se fraye un chemin à travers la foule pour découvrir son corps déjà sans vie et le sol couvert de sang ; à cet instant, son enfance prend fin et le récit de la vengeance se met en place. Après des années d'entraînement, elle revient, dure et résolue, pour se faire déjouer lors d'un banquet où Claudius lui tend nonchalamment un verre empoisonné – une inversion cruelle du climax de Shakespeare qui tue littéralement la structure classique et nous replonge dans le désert où le film veut vraiment vivre.

C'est dans l'Autre Monde que le film Scarlet et l'éternité (Scarlet) trouve ses idées les plus frappantes et trébuche sur sa propre portée. Le temps n'a pas de sens dans ce royaume, alors Scarlet marche aux côtés de samouraïs, de soldats coloniaux, de bandits et de réfugiés, tous avançant péniblement vers une chaîne de montagnes dont les sommets cacheraient une « Terre infinie » de paix. Claudius, désormais un tyran mesquin dans la mort comme il l'était dans la vie, a érigé une forteresse sur ce chemin et transformé le paradis en une frontière qu'il contrôle seul, recrutant une armée avec la promesse d'entrer dans un paradis qu'il n'a jamais vu. Dans ce désert moral et physique tombe Hijiri, doublé avec une douce conviction par Masaki Okada, un ambulancier paramédical contemporain qui arrive encore serrant sa trousse médicale et insistant pour retourner au travail. Alors que Scarlet incarne la colère juste et la logique du œil pour œil, Hijiri est une pure foi en la guérison, soignant les blessures des ennemis aussi volontiers que celles des amis et reculant visiblement devant son réflexe de saisir l'épée. Certaines des meilleures séquences du film proviennent de ce conflit : un bel intermède avec une caravane itinérante où la médecine moderne de Hijiri le transforme en une figure quasi mythique, ou une scène nocturne tranquille dans laquelle Scarlet admet, presque malgré elle, que sauver des vies la change peut-être plus que le fait de tuer ne l'a jamais fait. Pourtant, le scénario sape sa propre héroïne en la plaçant à plusieurs reprises dans des situations où elle doit être sauvée – physiquement ou moralement – par Hijiri, de sorte que la redoutable guerrière présentée dans le prologue semble souvent étrangement inefficace, ce qui est un faux pas étrange pour un film qui part d'une tournure féministe aussi forte que celle de son origine.

Sur le plan thématique, Scarlet et l'éternité (Scarlet) est pour le moins ambitieux. Mamoru Hosoda utilise l'Autre Monde comme une sorte d'autocuiseur allégorique : un espace où coexistent des siècles de conflits, où les caravanes des dépossédés font écho aux images contemporaines des réfugiés, et où Claudius instrumentalise le désespoir des morts avec des slogans sur une terre meilleure au-delà des murs. En plus de cela, le dragon, une présence monstrueuse criblée des armes de ceux qui ont tenté de le tuer, devient une sorte de ponctuation cosmique, apparaissant aux moments où la violence atteint son paroxysme pour littéralement faire pleuvoir le jugement du ciel. Cette architecture symbolique comporte des éclats de génie, mais le scénario a tendance à expliquer sa thèse au lieu de faire confiance à ces images. Scarlet et Hijiri passent de longs moments à expliquer, parfois de manière presque didactique, que la vengeance corrompt l'âme et que la paix exige un acte de pardon, de sorte que ce qui aurait pu être une riche méditation sur les traumatismes hérités et les histoires que nous racontons sur la guerre se réduit souvent à une série de slogans pacifistes. La partie centrale, en particulier, souffre de cette répétition, même si certaines scènes individuelles – un cimetière de cairns, une danse interculturelle extatique, une rencontre aux portes de la forteresse montagneuse de Claudius – montrent un cinéaste capable de fusionner spectacle et émotion lorsqu'il se concentre.

C'est dans le dernier mouvement que Scarlet et l'éternité (Scarlet) devient brièvement le film que son ouverture promettait. Lorsque Scarlet atteint enfin Claudius et se rend compte à quel point son désir d'éternité est vain, Mamoru Hosoda livre certaines des images les plus fortes de sa carrière : le roi en devenir hurlant pour être sauvé alors que les cieux le rejettent, la foudre du dragon fendant les rangs de ses partisans et, en contrepoint, une vision de Scarlet dans une autre vie, dansant sur de la musique pop dans une ville moderne, sans couronne, sans épée et sans sang sur les mains. L'esprit du roi Amleth réapparaît non pas pour lui demander de le venger, mais pour l'exhorter à sortir du cercle vicieux de la haine, et le choix qu'elle fait finalement concernant le sort de Claudius recadre l'ensemble du film comme une inversion délibérée de Hamlet : là où la pièce de Shakespeare évolue inexorablement vers une scène jonchée de cadavres, Scarlet commence avec les corps déjà morts et se fraye un chemin vers la possibilité de la vie et de la connexion. Le chemin pour y parvenir est indéniablement chaotique thématiquement surchargé, parfois naïf et structurellement inégal mais son idéalisme est empreint d'une honnêteté difficile à ignorer. Au final, le film Scarlet et l'éternité (Scarlet) ressemble à un Mamoru Hosoda mineur en termes de discipline narrative, mais son inventivité visuelle, l'intensité blessée de la performance de Mana Ashida et la sincérité avec laquelle il aborde le pardon en font une œuvre qui reste dans l'imagination plus que ses défauts ne le laissent supposer. 

Scarlet
Écrit et réalisé par Mamoru Hosoda
Scénario de Mamoru Hosoda
Produit par Nozomu Takahashi, Yuichiro Saito, Toshimi Tanio
Avec Mana Ashida, Masaki Okada, Koji Yakusho
Montage de Shigeru Nishiyama
Musique de Taisei Iwasaki
Société de production : Studio Chizu
Distribué par Toho, Sony Pictures Entertainment Japan
Dates de sortie : 4 septembre 2025 (Venise), 21 novembre 2025 (Japon), 13 février 2026 (États-Unis), 11 mars 2026 (France)
Durée : 111 minutes

Vu le 16 décembre 2025 au Max Linder Panorama

Note de Mulder: