Sur un air de blues

Il y a quelque chose à la fois charmant et désuet, mais aussi discrètement radical dans Sur un air de blues écrit et réalisé par Craig Brewer, un film qui met en scène un couple américain de la classe moyenne, comme on en aperçoit souvent à l'arrière-plan des reportages télévisés, et qui traite leur hommage à Neil Diamond avec le même sérieux que la plupart des biopics réservent aux génies tourmentés. Basé sur le documentaire de Greg Kohs sorti en 2008, le film retrace l'ascension, la chute et la renaissance obstinée de Lightning & Thunder – Mike Sardina et Claire Stengl, plus tard Claire Sardina – un mécanicien et une coiffeuse de Milwaukee qui transforment des paillettes, des systèmes de sonorisation bon marché et une obsession commune pour Neil Diamond en bouée de sauvetage. Le résultat est un film profondément sincère, souvent désarmant, qui plaira au public et qui ne cessera de susciter des crescendos émotionnels jusqu'à ce que l'ensemble commence à sembler aussi épuisant qu'émouvant ; un film larmoyant de Noël qui peut être émouvant, parfois exaspérant, et rarement moins que divertissant.

C'est dans la première partie du film que Sur un air de blues est le plus irrésistible et que l'on comprend pourquoi tant de spectateurs sortent en souriant. Nous rencontrons Mike Sardina, interprété par Hugh Jackman, lors d'une réunion des Alcooliques Anonymes, où il chante doucement Sur un air de blues pour marquer ses vingt ans d'abstinence, avant de le voir courir entre ses concerts, ses répétitions et ses petits boulots à Milwaukee, un vétéran du Vietnam les mains pleines de graisse et les yeux brillants de showman. À la foire de l'État du Wisconsin, il croise Claire Stengl, incarnée par Kate Hudson, déguisée en Patsy Cline pour un spectacle intitulé Legends où des imitateurs de Don Ho, Buddy Holly et Barbra Streisand se disputent l'attention du public. Leur flirt a la facilité de personnes qui ont été malheureuses pendant longtemps et qui reconnaissent instantanément un autre rêveur ; la première jam session chez Claire – un clavier, un livre de partitions de Neil Diamond, un salon légèrement défraîchi – procure le frisson de voir deux personnes qui ne sont pas auteurs-compositeurs créer quelque chose de nouveau à partir de chansons qu'ils adorent. Brewer capture la banalité domestique qui les entoure – les enfants, les ex, les factures, la maison située sous le couloir aérien de l'aéroport – puis laisse la musique envahir les lieux, transformant ce petit coin de Milwaukee en église dédiée à Neil Diamond.

En tant qu'acteurs, Hugh Jackman et Kate Hudson sont le moteur qui fait avancer le film même lorsque le scénario vacille. Hugh Jackman se glisse dans la peau du personnage effronté de Mike, Lightning, avec l'assurance que l'on attend de quelqu'un qui a joué dans The Greatest Showman et dans des reprises à Broadway ; au début, cela semble presque excessif, comme s'il en faisait trop, mais peu à peu, son interprétation révèle un homme qui ne cesse de jouer pour un balcon imaginaire, car c'est ainsi qu'il tient les ténèbres à distance. Hors scène, Hugh Jackman ajoute une humilité traînante et une touche de dégoût de soi – l'alcoolique en voie de guérison qui sait qu'il n'est pas une star, juste un type qui veut divertir et payer son loyer – et c'est dans cette tension entre le showman ridicule en paillettes et le père de famille ouvrier battu que réside le personnage. Kate Hudson, cependant, vole la vedette dans ce film. Dans le rôle de Claire Sardina, elle abandonne l'éclat des comédies romantiques qui a marqué une grande partie de ses débuts et puise dans quelque chose de plus brut : une mère d'âge mûr qui refuse de cesser d'aspirer à plus. Son accent de Milwaukee, ses reprises de Patsy Cline, sa façon de parler de son désir non seulement d'une maison et d'un jardin, mais aussi d'une scène – tout cela semble spécifique et vécu, et lorsque la tragédie frappe, elle laisse le personnage sombrer dans la colère et le désespoir sans jamais perdre sa chaleur sous-jacente. Ensemble, Hugh Jackman et Kate Hudson ont l'alchimie d'un couple qui pourrait se disputer comme des chiffonniers dans la cuisine, puis monter sur scène et devenir de l'électricité pure devant un public.

Sans surprise pour un cinéaste qui a réalisé Hustle & Flow et Dolemite Is My Name, Craig Brewer est à son meilleur lorsque Lightning & Thunder se produisent sur scène. Guidé par le producteur musical exécutif Scott Bomar, il laisse respirer le répertoire de Neil Diamond plutôt que de le découper en fragments à la manière d'une bande-annonce ; Play Me, Holly Holy, Brother Love's Traveling Salvation Show et, bien sûr, Sweet Caroline peuvent se déployer dans des séquences généreuses et émotionnelles qui font également office de montages narratifs. Il y a une répétition bruyante dans un garage où Crunchy Granola Suite transforme une rue de banlieue en une fête de quartier improvisée, un concert désastreux dans un bar de motards qui renforce d'une manière ou d'une autre la détermination du groupe, et l'euphorie presque surréaliste de faire la première partie d'Eddie Vedder et de Pearl Jam – un moment qui semblerait être un pur fantasme de scénariste s'il n'était pas vrai. L'un des gags récurrents du film, l'insistance de Mike Sardina à ouvrir le concert avec le mystique « Soolaimon » plutôt que le tube que tout le monde attend, devient un trait de caractère malicieux : c'est un homme qui veut que vous ressentiez la profondeur de Neil Diamond, et pas seulement que vous criiez « bom bom bom » au bon moment, et le film le soutient en traitant la musique avec un sérieux sans ironie, presque dévotionnel.

Là où Sur un air de blues pêche, c'est dans son revirement soudain, passant d'une histoire feel-good sur les outsiders à un mélodrame réaliste à part entière. L'accident bizarre qui frappe Claire Sardina – une voiture qui percute leur jardin, suivie d'une blessure dévastatrice – est mis en scène avec une franchise choquante qui fonctionne au début, mais ce n'est que le premier d'une série de malheurs qui s'accumulent jusqu'à ce que vous commenciez à vous sentir traumatisé plutôt qu'ému. Amputation, dépression, dépendance aux opiacés, problèmes cardiaques récurrents de Mike Sardina, grossesse précipitée de Rachel, cauchemars liés à l'assurance, effondrement financier : tout cela fait partie de l'histoire réelle du couple, mais la fiction pousse le bouchon à chaque instant, passant souvent si rapidement d'une crise à l'autre que le ton bascule d'un film Hallmark édifiant à quelque chose qui s'apparente à un soap opera hystérique. Dans des moments comme la séquence à l'hôpital où Mike s'effondre presque et supplie sa belle-fille d'aller chercher un défibrillateur sur un mur, ou Claire titubant dans le jardin en chantant des chansons de Patsy Cline dans un brouillard provoqué par les médicaments, le film vacille au bord du kitsch involontaire. Ce qui devrait être une réflexion approfondie sur le handicap, les traumatismes et les soins de longue durée devient plutôt une série de moments forts « très spéciaux » qui sont puissants pris isolément, mais perdent progressivement de leur impact parce que le scénario est trop pressé de nous ramener à la performance suivante.

Ce sentiment d'essoufflement est aggravé par la durée et la structure du film. Avec un peu plus de deux heures, le film dispose de suffisamment de temps pour approfondir ses personnages et explorer leur famille recomposée, mais le scénario de Craig Brewer continue de passer outre les liens entre les scènes au profit d'un autre montage ou concert. Rachel, interprétée avec une vulnérabilité à fleur de peau par Ella Anderson, se voit attribuer un scénario chargé impliquant une grossesse non planifiée qui est introduite, présentée comme une crise et résolue efficacement en quelques scènes ; les épisodes cardiaques effrayants de Mike Sardina sont traités comme des ponctuations dramatiques plutôt que comme un arc narratif soutenu ; même les tournants majeurs, comme le séjour de Claire en cure de désintoxication et la remise à plat de son mariage qui s'ensuit, sont expédiés à une vitesse qui minimise leur importance. Sur le plan structurel, le film a trois fins alors qu'une seule suffirait, chacune visant la catharsis, chacune touchant un peu moins la corde sensible. On sent l'affection de Craig Brewer pour ces personnages dans sa réticence à s'attarder trop longtemps dans les coins les plus sombres, mais le résultat est un film qui veut honorer tous les aspects de la véritable histoire de Lightning & Thunder et qui n'a pas tout à fait la discipline nécessaire pour décider quels coups porter et lesquels laisser sous-entendus.

Ce qui vous tient en haleine, même lorsque le mélodrame commence à s'essouffler, c'est l'univers qui entoure Mike et Claire et la façon dont l'ensemble le complète. Michael Imperioli apporte une douceur lasse et un humour pince-sans-rire à Mark Shurilla, l'imitateur de Buddy Holly qui troque ses lunettes et son nœud papillon contre une place de guitariste dans Lightning & Thunder lorsqu'il décide qu'il est trop vieux pour mourir tous les soirs à 22 ans. Jim Belushi joue avec brio le rôle de Tom D'Amato, le promoteur de tournées de casinos dont les mauvaises réservations et le grand cœur semblent tout droit sortis d'une comédie de studio un peu plus bruyante des années 90, tandis que le dentiste-manager de Fisher Stevens est le genre de personnage que l'on reconnaît immédiatement dans la vie d'une petite ville : un peu dépassé, d'une loyauté sans faille, convaincu que ses amis sont à deux doigts de la gloire. Du côté de la famille, King Princess apporte une touche de fragilité à Angelina, la fille de Mike Sardina qui vit en Floride et qui se lie d'amitié avec Rachel, incarnée par Ella Anderson, autour de joints et de déceptions communes ; Hudson Hensley incarne avec douceur Dayna, le jeune fils de Claire qui souhaite simplement que les adultes soient heureux. Il y a même un rôle mémorable pour le restaurateur thaïlandais Shyaporn Theerakulstit, dont l'amour pour Neil Diamond transforme son bar karaoké en une sorte de sanctuaire pour Mike, alors que se produire sans Claire est le seul moyen de garder son bar à flot. Toutes ces présences, parfois esquissées en quelques scènes seulement, contribuent à donner une image texturée de la vie de la classe ouvrière à Milwaukee, où le bruit de l'aéroport, les voitures en panne et les budgets serrés coexistent avec la joie authentique de faire chanter la foule le samedi soir.

Sous le sentimentalisme et le mélodrame, Sur un air de blues défend discrètement une autre vision du show-business. Il ne s'agit pas ici d'atteindre le sommet des charts ou de révolutionner la musique ; les plus grands enjeux du film sont de faire la première partie de Pearl Jam, d'obtenir un meilleur contrat dans un casino, voire de faire salle comble dans un théâtre local le soir même où le vrai Neil Diamond se produit de l'autre côté de la ville. Mike Sardina le dit même clairement : il sait qu'il n'est ni une star ni un compositeur, il veut juste divertir les gens et gagner sa vie. À une époque où la plupart des films musicaux tournent encore autour du mythe du talent extraordinaire destiné à la grandeur, il y a quelque chose de rafraîchissant, voire de légèrement subversif, dans un film qui insiste sur le fait qu'une vie moyenne, remplie de concerts tard le soir, de petits boulots et d'une mer de jeans, peut être tout aussi significative. Le sentimentalisme sans complexe du film, son refus de rabaisser ces personnages par l'ironie et son aisance totale avec les chansons à chanter en chœur, même si elles ne sont pas très cool, en font une sorte de film confessionnel pour l'église de Neil Diamond, prêchant que traverser ensemble les moments difficiles et continuer à chanter est une forme de grâce en soi.

Au final, que Sur un air de blues vous apparaisse comme un diamant brut ou un juke-box trop sucré dépendra probablement de votre tolérance pour les sentiments forts exprimés sans filet de sécurité et de votre affection pour la pop sincère de Neil Diamond. En tant que film, il est indéniablement inégal : les changements de ton peuvent être déconcertants, les thèmes du handicap et de la dépendance sont parfois traités de manière simpliste, et la volonté du scénario d'intégrer tous les rebondissements de l'histoire réelle fait que tous ne produisent pas l'effet escompté. Pourtant, en tant que vitrine pour les performances de Kate Hudson et Hugh Jackman, en tant que lettre d'amour aux groupes de reprises que la plupart d'entre nous ne voyons que par-dessus le verre d'un bar, et en tant que rappel que la musique ringarde peut encore faire vibrer une salle, ce film a un cœur battant auquel il est difficile de résister. Malgré tous ses défauts, on sort de la salle avec plus d'émotion pour ces personnages que pour beaucoup d'autres films en lice pour des récompenses, bien plus aboutis, et en fredonnant malgré moi des bribes de Holly Holy. Sur un air de blues n'est pas un classique sans défaut, mais un film généreux, émouvant, profondément humain, qui sait exactement pour qui il chante.

Sur un air de blues (Song Sung Blue)
Écrit et réalisé par Craig Brewer
Basé sur Sur un air de blues de Greg Kohs
Produit par Craig Brewer, John Davis, John Fox
Avec Hugh Jackman, Kate Hudson, Michael Imperioli, Ella Anderson, King Princess, Mustafa Shakir, Jayson Warner Smith, Hudson Hensley, Fisher Stevens, Jim Belushi
Directeur de la photographie : Amy Vincent
Montage : Billy Fox
Musique : Scott Bomar
Société de production : Davis Entertainment
Distribué par Focus Features (États-Unis), Universal Pictures (international)
Dates de sortie : 26 octobre 2025 (AFI Film Festival), 25 décembre 2025 (États-Unis), 31 décembre 2025 (France)
Durée : 131 minutes

Vu le 23 novembre 2025 au cinéma Le Grand Rex 

Note de Mulder: