28 ans plus tard

Dans un paysage cinématographique de plus en plus saturé de suites dérivées, de remakes et de clins d'œil nostalgiques, 28 ans plus tard de Danny Boyle ne se présente pas simplement comme la suite d'une franchise très appréciée, mais comme une redéfinition audacieuse de ce que peut aspirer à être la narration patrimoniale. Le filml ne cherche à aucun moment à reproduire la décadence urbaine frénétique et le chaos survivaliste de 28 jours plus tard, ni à faire écho au cynisme militaire à grande échelle de 28 semaines plus tard. Au contraire, en retrouvant le scénariste Alex Garland, Danny Boyle présente un film d'une intimité surprenante, qui ose troquer les effets spectaculaires sanglants contre des nuances émotionnelles. Tourné principalement avec des iPhone 15 Pro Max, un choix qui aurait pu sembler gadget entre des mains moins habiles, 28 ans plus tard s'appuie sur le caractère brut et immédiat de ses textures numériques pour créer une histoire qui traite autant de la décadence de l'innocence émotionnelle que de la pourriture de la civilisation. Il s'agit d'un récit initiatique niché dans une saga d'horreur, une méditation élégiaque sur le deuil et la survie dont la puissance ne réside pas dans la force des cris, mais dans le silence profond qui suit.

Dès les premières minutes, 28 ans plus tard instaure un ton à la fois mythique et lugubre. Le prologue, qui dépeint la fuite d'un enfant d'un massacre dans les Highlands au début de l'épidémie du virus de la rage, pose des bases sinistres qui restent gravées dans l'esprit du spectateur comme un avertissement spectral. Lorsque le récit fait un bond en avant de près de trois décennies, nous ne sommes plus en train d'assister à la fin du monde, mais à son au-delà. Dans une petite enclave isolationniste située sur l'île tidale de Lindisfarne, les vestiges de la société britannique s'accrochent à des rituels, à des routines et à un sentiment de sécurité précaire. C'est là que nous rencontrons le jeune Spike, interprété avec une étonnante clarté émotionnelle par le nouveau venu Alfie Williams, un garçon de 12 ans qui se prépare à son premier rite de passage : un voyage vers le continent avec son père Jamie, interprété par Aaron Taylor-Johnson, pour tuer un infecté. Ce qui commence comme une excursion père-fils pour renforcer leurs liens se révèle rapidement être quelque chose de plus sombre : un conditionnement à la violence, une suppression rituelle de l'empathie. « Plus tu tues, plus ça devient facile », dit Jamie à son fils, non pas comme un conseil, mais comme une doctrine. Pourtant, ce qui rend ce film si captivant, c'est que Spike n'intériorise pas ce message : il y résiste, le remet en question et finit par tracer sa propre voie morale à travers le désert qu'est devenu son monde.

L'évolution de Spike est au cœur de la puissance du film, et Alfie Williams livre l'une des performances les plus obsédantes de l'histoire récente du cinéma d'horreur. Sa peur, sa confusion et son chagrin n'ont rien de théâtral. Ils sont authentiques, usés comme des vêtements élimés transmis de génération en génération à ceux qui n'ont connu que la perte. Après avoir été témoin des horreurs du continent et de l'émergence de nouvelles variantes infectées, notamment les grotesques « Alphas », une tribu dirigée par le terrifiant Chi Lewis-Parry, Spike commence à voir des fissures non seulement dans le monde qui l'entoure, mais aussi chez les adultes en qui il est censé avoir confiance. Son père, autrefois son idole, devient une figure de trahison. Sa mère, Isla, incarnée avec une vulnérabilité poignante et une férocité lumineuse par Jodie Comer, sombre dans une maladie mentale et physique qui pourrait être ou non une mutation du virus. Dans une scène particulièrement déchirante, Isla confond son fils avec un étranger, avant de reprendre ses esprits juste assez longtemps pour murmurer son nom avant de replonger dans un brouillard de douleur. C'est l'apocalypse émotionnelle de 28 ans plus tard : non pas les masses infectées qui déchirent les rues, mais l'effacement progressif des liens, de la mémoire, de l'amour.

Déterminé à sauver sa mère, Spike se lance dans un pèlerinage à travers le désert à la recherche du Dr Ian Kelson, un médecin légendaire dont le nom est prononcé dans la communauté avec un mélange de révérence et de crainte. Lorsque Ralph Fiennes apparaît enfin dans le rôle, c'est avec tout le poids de la légende. Son Kelson n'est pas un simple ermite, c'est un philosophe de la mort, un sculpteur de la mortalité qui a transformé son refuge en une cathédrale macabre faite d'os et de souvenirs. Chaque crâne a eu une pensée, dit-il à Spike en lui montrant un autel forestier orné de restes humains. C'est une réplique absurde, mais Ralph Fiennes la prononce avec une telle solennité qu'elle résonne comme un évangile. Sous ses traits, la mort devient sacrée, et non monstrueuse. Kelson croit qu'honorer les infectés, même ceux qui sont devenus méconnaissables, c'est affirmer qu'ils ont été humains. Sa philosophie offre à Spike une alternative au nihilisme de son père, qui prône la survie à tout prix. Les conversations entre Spike et Kelson, sous la canopée d'une forêt squelettique éclairée par la lueur du feu, constituent la colonne vertébrale émotionnelle et thématique du film. Elles ne portent pas seulement sur le sort d'un garçon et de sa mère, mais aussi sur le type de monde qui émergera des ruines de celui-ci.

Visuellement, 28 ans plus tard ne ressemble à aucun autre film du genre. La photographie d'Anthony Dod Mantle, malgré sa source numérique, est luxuriante, picturale et d'une intimité dérangeante. L'utilisation d'images filmées avec un iPhone confère aux scènes de poursuite un chaos brut et tactile, mais c'est dans les moments de calme – une flèche tremblant dans un crâne, une mère brossant les cheveux de son fils en silence, une tête décapitée posée délicatement sur un lit de mousse – que le film surprend vraiment. Ces images restent longtemps après que le sang ait séché, non pas parce qu'elles choquent, mais parce qu'elles ont un sens. C'est l'horreur comme rituel, comme requiem. La conception sonore mérite également des éloges : la bande originale de Young Fathers est éclectique et dissonante, mélangeant hymnes ambiants et bruits industriels, reflétant la dissonance émotionnelle d'un monde où l'enfance prend fin avant même d'avoir commencé.

Il y a certes des imperfections dans 28 ans plus tard. La structure narrative du film est résolument épisodique, avec des changements de ton abrupts qui peuvent frustrer ceux qui s'attendent à une trajectoire plus conventionnelle. Les dix dernières minutes, conçues pour préparer le prochain volet (The Bone Temple, déjà terminé), s'égarent tellement dans le spectacle de genre qu'elles menacent de saper la délicate trame émotionnelle tissée jusqu'alors. L'apparition soudaine de Jimmy, incarné par Jack O'Connell, autrefois enfant survivant dans le prologue, désormais guerrier messianique aux cheveux décolorés, semble appartenir à un tout autre film. Pourtant, même dans ce revirement brutal, il existe une sorte de cohésion thématique. Après tout, nous sommes dans un monde où rien ne reste jamais longtemps pareil. Où l'innocence de l'enfance se transforme en désespoir adulte. Où le mythe et la mémoire s'estompent. Où l'espoir semble être une hallucination, mais une hallucination que l'on continue de suivre dans l'obscurité.

Ce qui rend 28 ans plus tard si profond, c'est qu'il n'oublie jamais le coût humain de son postulat. Les infectés sont peut-être la menace, mais la tragédie réside dans ce que les gens deviennent pour leur survivre. Le trio central, composé d'Alfie Williams, Jodie Comer et Aaron Taylor-Johnson, offre des performances qui élèvent le film au-delà du genre pour en faire quelque chose de poignant et de poétique. Williams, en particulier, est une révélation. Vers la fin du film, il berce un enfant, qui n'est pas encore sa sœur mais qui n'est plus une étrangère, et on se rend compte qu'il est devenu ce que son père n'a jamais pu être : un protecteur qui choisit l'empathie plutôt que la domination. Ce choix, dans un monde fondé sur la brutalité, est révolutionnaire.

28 ans plus tard ne se contente pas de poursuivre une histoire, il la recadre. Il reprend le vocabulaire apocalyptique établi dans 28 jours plus tard et l'utilise pour poser des questions plus profondes : que devons-nous aux morts ? Que signifie grandir quand chaque rite de passage implique le sang ? L'humanité peut-elle survivre non seulement à l'infection, mais aussi à l'héritage ? Le film n'apporte peut-être pas de réponses faciles, mais dans sa quête, il nous offre quelque chose de bien plus précieux : une raison de nous soucier. Une raison de nous souvenir. Et peut-être, dans le silence entre les cris, une raison d'espérer.

28 ans plus tard (28 years later)
Réalisé par Danny Boyle
Écrit par Alex Garland
Produit par Danny Boyle, Alex Garland, Andrew Macdonald, Peter Rice, Bernie Bellew
Avec Jodie Comer, Aaron Taylor-Johnson, Ralph Fiennes
Directeur de la photographie : Anthony Dod Mantle
Montage : Jon Harris
Musique : Hildur Guðnadóttir, Young Fathers
Sociétés de production : Columbia Pictures, DNA Films, British Film Institute, Decibel Films
Distribué par Sony Pictures Releasing
Date de sortie : 18 juin 2025 (France), 20 juin 2025 (États-Unis)
Durée : 115 minutes

Vu le 19 juin 2025 au Gaumont Disney Village, Salle 9 place A19

Note de Mulder: